A GRANDE JOGADA (Molly’s Game) EUA, 2017 – Direção Aaron Sorkin – elenco: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Brian D’Arcy James, Chris O’Dowd, Bill Camp, Graham Greene, J. C. Mackenzie, Jeremy Strong, Matthew D. Matteo, Joe Keery, Natalie Krill, Claire Rankin, Madison McKinley, Angela Gots, Khalid Klein, Victor Serfaty, Jon Bass – 140 minutos

A cinebiografia de uma personagem feminina poderosa e marcante, que representa toda a resistência e capacidade de superação das mulheres

"A Grande Jogada" é um baita filme, com um dinamismo incrível e uma história eletrizante [...] De quebra, traz uma esplêndida performance de uma atriz que dispensa comentários e uma estreia brilhante de um cineasta que, a julgar por este título, tem ainda muito a oferecer ao cinema. (Davi Gonçalves – Ccine 10)

Poucos atores no planeta conseguem trocar de engrenagem sem esforço como Chastain, que perfeitamente captura o jeito de camaleão da Molly para se adaptar às situações e racionalizar sua pior atitude. (Richard Roeper – Chicago Sun-Times) 

"A Grande Jogada" entrega um dos maiores papéis femininos do cinema - um drama denso, dinâmico e compulsivamente divertido, cujo protagonismo faz um uso espetacular do talento absurdo de Jessica Chastain. (Peter Debruge – Variety)

Como a maioria das obras do gênero biográfico, “A Grande Jogada” não traz nada de novo no que diz respeito a formato e desperta curiosidade justamente por se tratar de uma história real, mas ganha pontos por não cair na pieguice... (Raíssa Rossi – Almanaque Virtual) 

Extremamente racional, a protagonista de Chastain traça um plano e parte em busca do objetivo, com a voracidade de um predador que sabe o que quer. Molly usa de todos os artifícios que pode, incluindo a sensualidade extrema, reforçando o ditado “pode olhar, mas não tocar”. (Pablo R. Bazarello – Cine Pop)

"Molly’s Game" é uma divertida jornada sobre sucesso e fracasso, sobre como é possível ter tudo e no instante seguinte ficar sem nada. Muito como o jogo que fez a fortuna e a desgraça de Molly Bloom, Sorkin constrói um filme sobre as possibilidades e combinações que determinam histórias de vida. (Natália Bridi – Omelete)  

É seguro afirmar que o filme contém mais narração do que qualquer outro já feito de Hollywood. [...] Sorkin entretém e faz você se inclinar para absorver todos os detalhes da sua história inusitada, que inclui um elenco incrível para ajudá-la a ser contada. (Todd McCarthy – The Hollywood Reporter)

A caneta estilo-espada de Sorkin continua a manter o longa envolvente, sua aptidão por falas únicas e diálogos absurdamente detalhados permanece eloquentemente afinada. (Kevin Jagernauth – The Playlist)

Veloz, afiado, com estilo e espírito difícil, esse drama cativante baseado em fatos reais, sobre uma jovem mulher que em algum ponto era a dona do jogo de poker mais lucrativo do mundo, vale ser recomendado só para ver sua protagonista, Jessica Chastain, no auge de sua mais controladora e fria atuação. (Ann Hornaday – Washington Post) 

TRAMA FANTASMA (Phantom Thread) EUA, 2017 – Direção Paul Thomas Anderson – elenco: Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps, Lesley Manville, Sue Clark, Joan Brown, Gina McKee, Camilla Rutherford, Harriet Leitch, Ingrid Sophie Schram, Brian Gleeson, Maryanne Frost, Ellie Blackwell, Zarene Dallas, Philip Franks, Dinah Nicholson, Julie Duck, Amy Cunningham, Amber Brabant, Geneva Corlett, Juliet Glaves – 130 min.

                      NADA É O QUE PARECE!! ARREBATADORAMENTE BELO!!! 

Absurdamente prazeroso de assistir e ouvir, uma demonstração sem esforços de elegância da direção de fotografia e figurino até os personagens e o que eles dizem. (Ty Burr – Boston Globe)

À primeira vista, a estranheza cativante do humor e da elegância no roteiro são prováveis de manter sua atenção, mas depois você pode voltar para saborear as cores luxuosas, as performances polidas e o mistério romântico que mantém tudo unido. (A. O. Scott – New York Times)

Anderson criou um drama de época com uma surpreendente tonalidade fluida, e Daniel Day-Lewis e Vicky Krieps entregam performances reservadas que lentamente revelam significado profundo, transcendendo o potencial cliché do material para atingir algo muito além e mais misterioso sobre desejo, ambição e controle. (Tim Grierson – Screen International)

Com um notável refinamento – os impecáveis figurinos e direção de arte, a fotografia em 35 mm, as belíssimas peças ao piano da trilha sonora de Jonny Greenwood – "Trama Fantasma" surpreende ainda pela utilização, igualmente elegante, do humor. (Leonardo Ribeiro – Papo de Cinema)

É curioso ver um filme como “Trama Fantasma” nessa temporada de premiação, é quase um recado dado a todos os concorrentes, como se indagasse quais são seus reais interesses, o que realmente diz seu pensamento conceitual e formal, porque tudo isso é sobre aparências e o que existe além delas. Paul Thomas Anderson faz uma obra instigante, sinuosa e dissimulada nos melhores dos sentidos, uma obra que se diferencia numa produção onde tudo está sempre tão dado, Trama Fantasma é um filme sobre o prazer de esconder o jogo e o prazer de descobrir como revelá-lo. (Giovanni Rizzo – Observatório do Cinema)

Reynolds conhece Alma, apaixona-se e é correspondido, e a dinâmica que os dois estabelecem poderia, pelo hábito, seguir uma lógica de Pigmalião: Reynolds toma a humilde Alma como musa e a molda à sua semelhança. Trama Fantasma se recusa a se acomodar nessa expectativa, porém, e o filme de Paul Thomas Anderson se desenrola como um atraente exercício pendular de jogos de poder. (Marcelo Hessel – Omelete.com.br)

Se "Trama Fantasma" não é exatamente um triunfo narrativo, ele ainda consegue entregar, principalmente como uma evocação assombrada de entusiasmo, apetite e busca pela estética como seu campo mais raro. (Ann Hornaday – Washington Post)

Belo e surpreendente, “Trama Fantasma” é fantástico, apesar de difícil. Sua trama incomum gera muitas reflexões e incomoda quase constantemente, afinal apresenta um dos romances mais bizarros que você vai ver no cinema. E se você sair do filme sem saber ao certo se gostou, não se desespere, essa é a intenção, mas conforme você analisa cada detalhe, perceberá que tudo fica ainda melhor. (Daniel Reininger – Cineclick) 

THE POST: A GUERRA SECRETA (The Post) EUA, 2017 – Direção Steven Spielberg – elenco: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bradley Whitford, Bruce Greenwood, Matthew Rhys, Luke Slattery, Alison Brie, Carrie Coon, Jesse Plemons, David Cross, Zach Woods, Jessie Mueller, Stark Sands, Rick Holmes, John Rue, Michael Stuhlbarg, Coral Peña, James Riordan – 116 minutos

                 INCRIVELMENTE TENSO E IMPLACAVELMENTE DRAMÁTICO

O novo filme de Steven Spielberg é contado através dos olhos de Ben Bradlee (Tom Hanks), redator chefe do jornal que vê nesse conflito um possível grande passo na sua carreira, percebendo que pode fazer história em relação a sua profissão. E também pelos olhos de Kay Graham (Meryl Streep), que após anos vendo o jornal ser comandado por seu pai e depois marido, agora vê o The Post sob seu comando, tendo que aprender a lidar com o jogo e desfazer seu pacto com o típico papel de dama da alta sociedade. Muito aclamado e elogiado, vamos conferir o que dizem os especialistas em cinema:

The Post é um retrato jornalístico e político consciente sobre o que fala e como se falam, jamais deixando de lado sua própria linguagem cinematográfica para exemplificar seus discursos e todo o retrato histórico que lhe ronda. Mais um ponto para Spielberg. (Rafael Oliveira – Plano Crítico) 

Em The Post, Spielberg o filma como também fazia John Ford, diretor de clássicos como “No Tempo das Diligências” e “Como Era Verde Meu Vale”; seus personagens são tridimensionais, falhos, mas também a representação de um ideal. O “The Post” é acossado pelo que não consegue definir, mas sabe o que tem que combater. (Bernardo Brum – Cineplayers)

“The Post: A Guerra Secreta” não é apenas um thriller jornalístico, mesmo que a tensão excitante e o suspense crescente ao ver aqueles homens e mulheres em busca dos arquivos do governo americano seja extremamente empolgante e envolvente, o longa busca na verdade uma conexão e aproximação com a realidade do espectador. (Giovanni Rizzo – Observatório do Cinema) 

Em seu núcleo, The Post é sobre a liberdade de expressão da imprensa, uma das leis sob as quais a América foi fundada. E a vontade de Spielberg em querer relatar esta história específica, hoje, aos 71 anos de idade, mostra que o cineasta continua antenado com questões extremamente urgentes e fervorosas. (Pablo Bazarello – Cine Pop)  

Meryl Streep dá (mais) um show de interpretação vivendo uma personagem fascinante e tendo uma química fenomenal com Tom Hanks. Responsável pela direção, Steven Spielberg faz um trabalho refinado, entregando uma produção que vai além do óbvio. (Diogo Rodrigues Manassés – Cinema com Rapadura) 

Com Meryl Streep em boa forma em uma personagem que é maior que sua atuação e Hanks como um competente parceiro, The Post é um filme importante não só na era Trump, mas para melhor entender a complexidade que é ser jornalista. Um belo filme, que deveria ser exibido em toda e qualquer faculdade de Jornalismo. (Francisco Russo – Adoro Cinema)

Depois de "Lincoln" e "Ponte dos Espiões" (também estrelado por Tom Hanks), "The Post - A Guerra Secreta" marca o fim de uma trilogia informal - vamos chamá-la de "trilogia cívica" - que usa lições da História para sublinhar a visão de Spielberg sobre os valores modernos dos Estados Unidos. (Matt Singer – ScreenCrush) 

"The Post - A Guerra Secreta" se apresenta nostalgicamente não apenas como um libelo pela liberdade de imprensa mas principalmente como uma defesa de instituições. Não é por acaso que tanto a esquerda quanto a direita americana o recebam bem. (Marcelo Hessel – Omelete)

O filme é uma história pequena sobre publicar ou não algo em um jornal local. Poderia ser um drama simples sobre o dia-a-dia de uma redação, com menos impacto, mas Spielberg transforma uma história simples em algo épico e grandioso. (Daniel Reininger – Cineclick)  

Vemos a liberdade de imprensa, o poder da verdade em conflito com os interesses governamentais, o empoderamento feminino, o comercial em conflito com o editorial de uma redação, além dos bastidores da investigação jornalística, tornando assim a obra uma verdadeira ode ao jornalismo. (Kadu Silva – Ccine 10)

CELEBRA SEU SIGNIFICADO E MERGULHA NA NOSTALGIA DOS DIAS DE GLÓRIA DO JORNALISMO

SEM AMOR (Nelyubov / Loveless) Rússia, 2017 – Direção Andrey Zvyagintsev – elenco: Matvey Novikov (Alyosha), Maryana Spivak, Aleksey Rozin, Marina Vasileva, Andris Keiss, Aleksey Fateev,  Sergey Borisov, Natalya Potapova, Anna Gulyarenko, Artyom Zhigulin, Maksim Solopov, Sergey Badichkin – 127 minutos

UMA CRIANÇA DESAPARECIDA. UM CASAMENTO DESTRUÍDO. UM PAÍS EM CRISE.

Indicado ao Oscar 2018 na categoria Melhor Filme Estrangeiro “Sem Amor” (Nelyubov / Loveless) vem colecionando aplausos por onde passa. Vejamos o que a crítica de forma geral vem avaliando:

Com uma proposta simples, este é um daqueles filmes que pode ser melhor aproveitado sem qualquer bagagem através de trailers ou algumas sinopses que entregam mais do que o necessário. É um filme pesado e bastante pessimista que procura debater temas sobre família e, por falta de uma definição melhor e para deixar um pouco das surpresas do filme intactas, o peso de nossas ações e o efeito que causamos em quem mais amamos, seja por negligência ou pura insatisfação. Este é facilmente um dos filmes mais atraentes que já assisti e a direção de fotografia é impecável e cheia de planos bem abertos em locais que representam bem a aura de abandono e melancolia. É um espetáculo intensificado pela composição musical aterrorizante da dupla Evgueni e Sasha Galperine e a entrega dramática do elenco. O filme marca o primeiro trabalho de Matvey Novikov, o que não o impede de surpreender com o olhar desolador, mas é em Maryana Spivak onde encontramos um personagem tão genuíno e complexo que fica difícil assistir sem simpatia ou condenação. É um longa provocante que não tem medo de botar o dedo na ferida de muitas relações, seja entre pais e filhos ou aqueles que acabaram fazendo parte deste meio mesmo sem querer. Sem Amor pode ser moroso e depressivo, mas também é belíssimo e não deixa de ser uma experiência inesquecível e facilmente um dos melhores que você vai assistir esse ano. (Roberto Honorato – Plano Crítico) 

Loveless é um filme poderoso, com imagens fortes e simbólicas, como aquela em que vemos Boris desolado, chorando encostado em uma parede deteriorada que reflete o estado emocional no qual se encontra – seja na relação com Zhania ou Alyosha- até o plano que talvez seja o mais assustador e marcante da obra: a de Alyosha (Matvey Novikov, sensacional) chorando descontroladamente, enquanto a porta do banheiro se fecha – revelando que ele esteve presente durante uma discussão de seus pais. (Cauê Petito – cinemaçao.com.br)

Sem Amor cria um universo onde nenhum adulto presta, onde ninguém exprime algum valor. Os novos relacionamentos dos pais já parecem fadados ao fracasso, celulares são sempre presente nas cenas, sempre distraindo os personagens daquilo que de fato é importante, ou sendo um espelho para inúmeras selfies – o amor só pelo próprio eu. Exemplo máximo disso é uma sequência num restaurante de luxo em Moscou, onde todas as mesas são marcadas por uma qualidade negativa, a mulher num encontro que flerta com o garçom, moças jovens que só se preocupam com sua aparência numa foto coletiva, as pessoas obcecadas pelas fotos de seus pratos e a câmera está no corpo, no ponto de vista do garçom, ou seja, fora desse mundo, colocando como uma visão que não faz parte dessa sociedade sem amor. (Giovanni Rizzo – Observatório do Cinema)

Aclamado pela crítica e vencedor do prêmio do Júri no Festival de Cannes, “Loveless” é um tapa na cara das relações familiares e da frieza humana. Já é um dos melhores filmes do ano. De nenhuma forma será injusto se vier a vencer o Oscar de melhor filme em língua estrangeira. É profundo, impactante e possui uma profunda mensagem a ser transmitida: as consequências da ausência dos pais na vida de um filho. Assim como seu concorrente The Square – A Arte da Discórdia, é outro filme que oferece aos cinéfilos a ótima oportunidade de conhecer o cinema estrangeiro e suas características únicas. (João Pedro Accinelli – Cinematecando)

 “Sem Amor” é admirável em diferentes níveis. Em como usa de várias funções narrativas para contar sua história. Em como é cuidadoso tecnicamente e se apropria de cada um de seus extraordinários quadros para dizer algo, ao passo que usurpa da beleza plástica dessas imagens a fim de estabelecer um filme visualmente arrebatador. O desconforto de sua trama e as várias cenas que se delongam extravasam a sensação psicológica de seus personagens, largados à própria vaidade que os coagulam em amargurado egoísmo. (Marcelo Leme – Cineplayers) 

“Sem Amor” é um filme pesado e cheio de alegorias para abordar problemas centrais na sociedade russa, mas possui elementos que podem ser reconhecidos por praticamente qualquer sociedade ocidental também. Como representante russo ao Oscar, é um dos fortes concorrentes ao maior prêmio do cinema de forma justa. (Daniel Reininger – Cineclick)

Fazendo jus às belas imagens iniciais, que trazem árvores secas como as vidas dos personagens, “Loveless”  é uma obra mergulhada em dor e arrependimento, mas que compreende que há pessoas incapazes de mudar mesmo depois das mais terríveis experiências. Para completar, poucos planos no Cinema este ano terão a força daquele que traz uma criança chorando silenciosamente atrás da porta enquanto escuta seus pais planejando descartá-la. E ainda não sei dizer o que é mais comovente: seu choro solitário ou que tenha aprendido a escondê-lo. (Pablo Villaça – Cinema em Cena) 

ROMAN J. ISRAEL, ESQ. (Roman J. Israel, Esq.) EUA, 2017 – Direção Dan Gilroy – elenco: Denzel Washington, Colin Farrell, Carmen Ejogo, Lynda Gravatt, Amanda Warren, Hugo Armstrong, Sam Gilroy, Tony Plana, DeRon Horton, Amari Cheatom, Niles Fitch, Elisa Perry, Jocelyn Ayanna – 122 minutos 

O novo filme de Denzel Washington está dividindo opiniões. Alguns consideram esse um dos melhores trabalhos do ator, outros criticaram a duração e a performe dele tida como apenas mediana. Pelo sim ou pelo ano, o filme é uma obra que merece admiração e questionamentos. A seguir o que estão falando do filme:    

Dan Gilroy, responsável pelo excelente “O Abutre”, dirige e roteiriza o filme e emprega uma grande parte do tempo de projeção para estabelecer a personalidade de Roman. É nesse mais de um terço de filme (diria talvez até a metade) que não é particularmente curto, que Denzel Washington tem seu espaço para brilhar nessa delicada construção de personagem que começa afastado de tudo e de todos, praticamente uma ilha em meio ao selvagem mundo jurídico moderno, mas que, aos poucos, vai abrindo espaço para a vida como ela é e não como ele acha que deveria ser. Ele começa um hesitante relacionamento platônico com a advogada ativista de direitos civis Maya Alston (Carmen Ejogo) e mantém uma contenciosa amizade com George Pierce (Colin Farrell) ao longo de quase uma hora de projeção que não nos deixa sequer entrever o objetivo de Gilroy além de permitir uma performance diferente e oscarizável para Denzel Washington. (Ritter Fan – Plano Critico) 

Tentando continuar no mesmo ritmo de “O Abutre”, “Roman J.Israel, ESQ” tem pontos parecidos com o filme citado. A trama envolve uma profissão de peso na sociedade, no caso a de advogado, é algo atual e coloca Denzel Washington em um dos grandes papeis de sua carreira já brilhante. (Victor Martins – Cinematologia)

É um filme refém da fórmula, mas Gilroy consegue conferir um “algo a mais”. Ele dá mais vida e complexidade do que se espera. (David Edelstein, The New York Times)

Roman é um personagem fantástico. O desempenho de Denzel Washington é um dos mais ousados e interessantes da sua carreira. (Owen Gleiberman – Variety)

O filme consegue dimensionar o ímpeto apaixonado do seu protagonista, mas na medida em que ele começa a se desiludir com as coisas a história acaba seguindo o mesmo caminho (Eric Kohn – IndieWire)

É uma ótima oportunidade para Denzel Washington exercitar um tipo diferente de personagem. (Edward Douglas – Den of Geek)

Denzel Washington (indicado ao Oscar 2018 na categoria Melhor Ator do Ano) apresenta outra sólida interpretação em sua carreira e o filme se compromete com caminhos bastante contundentes. 

THE SQUARE: A ARTE DA DISCÓRDIA (The Square) Suécia / Alemanha / França / Dinamarca, 2017 – Direção Robin Östlund – elenco: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Christopher Laesso, Elijandro Edouard, Annica Liljeblad, Jonas Dahlbom, Copos Pardaliam, John Nordling – 140 minutos

O FILME DE ARTE MAIS DEVASTADOR, PROVOCA O PÚBLICO ATRAVÉS DO DESCONFORTO

Provável e quase certo vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro este ano, é sem sombra de dúvida um dos melhores filmes europeus da temporada. O filme apresenta personagens que carregam uma dicotomia entre aparentar algo e o que essas pessoas são quando colocadas no limite. Essa dicotomia reflete no espectador, que fica dividido diante das ações dos personagens; é muito provável que você não saiba o que pensar diante de certas situações apresentadas no filme. Enquanto Christian não é posto em uma situação limite, ele é a tradução do modelo de homem moderno, meio intelectual, meio desconstruído, o sujeito do século XXI. Quando está no limite, ele cede aos instintos, agindo de forma nem um pouco civilizada. Contudo, ele sente remorso por isso e tenta se corrigir – ou melhor, tenta manter a capa. Se terminar celebrado no Oscar 2018 depois de ter ganho a Palma de Ouro do Festival de Cannes, “The Square” se sacramentará como um filme muito emblemático dos últimos tempos e um dos mais importantes deste Século. 

No filme, o atormentado protagonista é Christian (Claes Bang), recém-nomeado curador do Museu de Arte Contemporânea de Estocolmo. Organizando a primeira grande exposição da instituição em sua gestão, ele investe na obra que dá título ao filme: um quadrado luminoso instalado no chão e dentro do qual todas as pessoas devem se tratar de maneira igualitária e gentil. Porém, por mais que insista em explicar sua crença na necessidade do comportamento ético, Christian tem suas convicções testadas quando seu celular é roubado – e, depois de localizar o aparelho em um prédio numa vizinhança pobre, ele decide colocar um bilhete em todos os apartamentos do edifício exigindo que o “ladrão” devolva o aparelho, o que dá início a uma série de incidentes que, associados ao estresse do trabalho no museu, tornam a vida do sujeito inesperadamente instável. 

Este grande filme trabalha com o inusitado, com a batalha interna e externa sobre o comportamento ético da elite moderna e seu interior mais “animalesco” e vingativo. E o principal capricho do roteiro está na sua habilidade em manter este humor em alta e crescente mesmo com a longa projeção, culminando na cena do jantar onde esta tal elite é posta cara-a-cara com o animalesco que lhes é apontado como a arte visceral, mas num plano-sequência aterrador, se transformar no próprio terror dos mesmos. Esta sequência, que é a mais relevante para o Brasil de hoje, apresenta uma performance arrasadora do artista Oleg (Terry Notary) durante um jantar reunindo os financiadores do museu. A performance provoca os convidados. Ela vai testando os limites deles e da própria arte. É a sequência que melhor demonstra que, sim, arte tem limite – ao contrário do que deu a entender os debates sobre arte no ano de 2017 no Brasil, cujo exemplo paradigma foi o envolvendo o Queermuseu. 

UMA NARRATIVA QUE NÃO SE CONTENTA EM EXPOR AS CONTRADIÇÕES DO PENSAMENTO DOMINANTE NOS MEIOS ARTÍSTICOS.

Abordando temáticas presentes na maioria dos debates contemporâneos, a acidez tragicômica do filme não se preocupa em ser reconfortante. A obra é construída para desconstruir conceitos e valores, expondo a podridão humana e social onde quer que possa estar. Esta obra-prima não é um filme feito para agradar, mas para expor a podridão humana e social onde quer que ela possa estar. Obrigatório!!

EU, TONYA (I, Tonya) EUA, 2017 – Direção Craig Gillespie – elenco: Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Julianne Nicholson, Paul Walter Hauser, Caitlin Carver, Maizie Smith, McKenna Grace, Cory Chapman – 120 minutos

TRATA-SE DE UMA DENÚNCIA. MAS CONDUZIDA DE FORMA TÃO DISTANTE DO LUGAR COMUM. 

Tonya Harding dominava a arte da patinação no gelo. Entretanto, acabou figurando com maior destaque nas manchetes por algo totalmente diferente. De forma absurda, trágica e hilária, esta mulher se tornou o centro do maior escândalo na história do esporte nos Estados Unidos.

               UMA COMÉDIA TRÁGICA, OU UMA TRAGÉDIA CÔMICA

Cabe destacar o ótimo desempenho de Margot Robbie, jovem atriz australiana, de 27 anos, que com apenas dois trabalhos - “O Lobo de Wall Street e Esquadrão Suicida” – foi capaz de tomar Hollywood de assalto. “Eu, Tonya” guarda sua melhor atuação até o momento, abrindo espaço para a atriz mostrar tudo o que sabe, num show só seu, onde todos os outros estão atrás (outro fato inédito em sua carreira). A atriz é posta à prova, num xeque-mate decisório e que felizmente guarda ponto para a atriz. Ela mostra que é um talento, deixando a promessa no passado. 

  O OLHAR VOLTADO PARA A AMÉRICA QUE POUCOS QUEREM VER

O filme foca na infância atabalhoada da patinadora, seu complexo e quase indecifrável relacionamento com uma mãe opressora, sua paixão pelos treinos de patins (sua única atividade), seu casamento abusivo e o preconceito da associação e juízes de patinação no gelo em relação à mulher interiorana e nada elitizada. Algo que coloca essa personagem em destaque pela diferenciação em relação ao comportamento de vida de outras atletas. A beleza que conduz o filme está justamente em não colocar sua protagonista num pedestal, mas em tratá-la como um elemento narrativo.

EU, DANIEL BLAKE (I, Daniel Blake) Inglaterra / França / Bélgica, 2016 – Direção Ken Loach – elenco: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Dave Turner, Kate Rutter, Steven Richens, Stephen Clegg, Malcolm Shields – 100 min.  

                              UM RETRATO DO MUNDO QUE DEU ERRADO

Em uma narrativa seca e quase documental, o protagonista-título luta contra um sistema brutal para manter sua dignidade. O roteiro de Paul Laverty exibe um otimismo que não deixa de ser reconfortante ao apontar que, fora da lógica do capitalismo selvagem e impiedoso, há geralmente a solidariedade entre aqueles que reconhecem estar em situações muito próximas umas das outras.

EM UM MUNDO MATERIALISTA, O NOVO FILME DE KEN LOACH FALA EM DIGNIDADE

O mais triste deste filme é a certeza de que por mais que seja uma ficção, o diretor está falando de uma realidade muito próxima de qualquer pessoa. Grande vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes.

O FILME POSSUI A FORÇA DE INDIGNAÇÃO QUE EXPRESSA O LAMENTÁVEL ESTADO DO MUNDO ATUAL

O grande mérito de Ken Loach neste seu novo filme é evidenciar o cinismo existente por trás do sistema, de forma a ofertar ajuda mas torná-la tão complicada de ser atingida que, na prática, torna-se inviável. UM FILME OBRIGATÓRIO!!

A FORMA DA ÁGUA (The Shape of Water) EUA, 2017 – Direção Guillermo Del Toro – elenco: Sally Hawkins, Octavia Spencer, Doug Jones, Richard Jenkins, Michael Shannon, Michael Stuhlbarg, David Hewlett, Nigel Bennett, Morgan Kelly, Nick Searcy, Stewart Arnott, Lauren Lee Smith, Martin Roach – 123 min.

  UMA FANTASIA DE EXCELÊNCIA, UM BELO CONTAR DE HISTÓRIAS ATEMPORAL

Ambientado em 1962, o filme conta a história de Elisa (Sally Hawkins), uma mulher muda, funcionária da equipe de limpeza de um secreto laboratório de pesquisas, que se apaixona por uma criatura aquática que está sendo estudada no local. Ambientado na Guerra Fria, o filme fala do abuso de poder, machismo, homofobia e amizade. “A Forma da Água” é, acima de tudo, uma história de amor e um conto de fadas. Assim como o filme propriamente dito, o “monstro” marítimo é uma representação da Elisa mesma, as guelras são as cicatrizes de seu passado, o silêncio é uma constante para os dois. Aliado a vários aparatos convencionais, mas eficientes, para levar a história adiante, o diretor apresenta mais uma fantasia de excelência, um belo contar de histórias atemporal. É um filme sobre a mudança, uma obra que em sua narrativa fantasiosa revela a transformação no curso das coisas. Essa inversão de clichês e estereótipos mostra como nos anos 1960 o mundo pedia por mudança, assim como hoje ela é visível. Os rádios e a televisão mostram a força de um movimento negro que pede seus direitos, nas ruas ainda evitam que eles se sentem no balcão de uma loja de tortas; Giles é um senhor gay que nunca pode demonstrar seus desejos e quando parece ser retribuído é ultrajado. 

Cabe citar a excelente performance de Sally Hawkins em um de seus melhores papéis, precisando conversar com o público apenas com o olhar e carregando o filme nas costas. Doug Jones também faz mais uma vez um ótimo trabalho como uma criatura fantástica e Octavia Spencer está extremamente carismática. Richard Jenkins e Michael Stuhlbarg também trabalham muito bem e é ótimo ver como seus personagens se conectam com a história principal. O filme foi indicado ao Oscar de: melhor filme, diretor, fotografia, montagem, trilha sonora, edição de som, mixagem de som, atriz (Sally Hawkins), atriz coadjuvante (Octavia Spencer), ator coadjuvante (Richard Jenkins), figurino, roteiro original e desenho de produção. No total 13 indicações. 

Guillermo Del Toro sempre foi dono de filmes que se apresentam como fábulas, um conto fantástico que se desenrola como uma metáfora para além-tela, todavia em “A Forma” ele compreende que a fábula de tempos recentes é o próprio cinema, e a sua força é hoje uma das únicas formas de conectar o real ao fantasioso, fazendo com que um mundo de imaginação afete o mundo real do espectador. Abraçando a fantasia e o horror de sua história com o apuro visual que sempre exibe em seus projetos, o diretor usa o filme como uma declaração de amor ao próprio Cinema e ao poder que este possui de nos transportar para universos tão distintos do nosso cotidiano. Uma ode aos desajustados, aos incompreendidos, aos outsiders, aos párias. Uma homenagem ao cinema. Um convite ao escapismo. É isso o que o diretor faz com este filme vencedor do Festival de Veneza 2017, uma produção de cativante beleza, interpretada por um elenco afiadíssimo e brilhante. Um filme belo!! 

MANCHESTER À BEIRA-MAR (Manchester By The Sea) EUA, 2016 – Direção Kenneth Lonergan – elenco: Casey Affleck, Michelle Williams, Lucas Hedges,  Ben O’Brien (o jovem Patrick), Kyle Chandler,  Liam McNiall, C. J.  Wilson,  Matthew Broderick, Tate Donovan,  Kenneth Lonergan, Susan Pourfar, Robert Sella, Ruibo Qian,  Anna Baryshnikov, Josh Hamilton, Christian Mallen, Oscar Wahlberg, Ellie Teeves, Chloe Dixon, Tom Kemp, Gretchen Mol, Mary Mallen,  Lewis D. Wheeler, Anthony Estrella, Ben Hanson – 137 minutos

               O FILME QUE NUNCA SENTE A NECESSIDADE DE EXPLICAR DEMAIS!!

O novo trabalho do cineasta Kenneth Lonergan é o tipo de filme que não parece estar caminhando para lugar nenhum durante a maior parte do tempo. E então, quase inesperadamente, ele chega. A eternidade do luto e a esperança de redenção são temas tão antigos quanto a própria dramaturgia, mas eles raramente são apresentados através do turbilhão extraordinário de amor, raiva, ternura e humor seco que é aqui dissecado. Desde o início, procura realizar um profundo mergulho dentro de cada personagem, realizando assim, um estudo do sujeito e de sua maior angústia: a morte. O cineasta evita ao máximo momentos catárticos e cria um ambiente angustiante e de uma tristeza tão reprimida que abala o espectador. Os efeitos da perda e do luto são retratados de maneira ao mesmo tempo muito particular e universal, apoiando-se na excelente atuação do elenco e na espetacular performance de Casey Affleck, que já apresentou grandes interpretações, entre elas o extraordinário “O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford”. 

Em “Manchester à Beira-Mar”, Casey Affleck (vencedor do Oscar  2017 de Melhor Ator) é Lee Chandler, um personagem reprimido, traumatizado e pouco expressivo. Mas pouco expressivo na medida em que não se desespera, pois diz muito através de seu olhar. A dinâmica com o sobrinho é brilhante, principalmente pela revelação que é Lucas Hedges. O jovem é bastante carismático e se sai bem nos momentos dramáticos e também nas cenas em que deve agir como adolescente rebelde. Passado numa cidade litoral, durante um inverno pesado, o filme absorve um clima de frieza e isolamento, e passa para boa parte dos personagens. É uma obra que não grita, mas fala com uma agonia desesperadora, sem deixar de lado aquele bom humor típico de quem tenta aliviar um cenário de dor e perda. A direção de fotografia de Jody Lee Lipes é belíssima e consegue estabelecer uma diferença clara nas sequências do presente e do passado. É interessante como a imagem transmite um cenário mais alegre nos flashbacks, em contrapartida a toda frieza da linha do tempo principal, por mais que seja no passado que aconteça o evento mais traumático. Passa bem a ideia de que a partir daquele ponto, a vida de nenhum dos personagens foi a mesma. 

É um belo filme sobre perda e recomeço, contando com um roteiro que transborda sensibilidade e humanidade. Trata-se de uma obra extraordinária sobre a vida e seus percalços. Sobre o amor, mas também sobre a dor, que por vezes é tão insuportável que transforma pessoas. Destaque à organicidade do transcorrer análogo ao comportamento do mar, ou seja, alternando agitações e calmarias. Uma direção extremamente atenta, que entrelaça as temporalidades e os gêneros (drama e comédia), com um domínio excepcional tanto do trabalho do roteiro quanto da direção. Só pecou um pouco na longa duração, deixando o filme um pouco arrastado. Mas há outras compensações, entre elas a sequência mais trágica da história, a da sequência do Adágio de Albinoni. O filme é, antes de tudo, o fim do abismo e uma ode à observação. Bonito de se ver!!! UM GRANDE FILME!!