14º Lugar - UM LUGAR AO SOL (A Place in the Sun) EUA, 1951

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

14º Lugar - UM LUGAR AO SOL (A Place in the Sun) EUA, 1951 – Direção George Stevens – Elenco: Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, Shelley Winters, Anne Revere, Keefe Brasselle – 122 minutos.

George Eastman (Montgomery Clift), um jovem ambicioso, vai trabalhar na fábrica de um rico tio. Ele acredita que esta oportunidade pode levá-lo a um futuro melhor, mas apesar de ter sido avisado para não se envolver com nenhuma funcionária, ele começa a se encontrar com Alice Tripp (Shelley Winters), uma humilde moça que trabalha na linha de montagem. Ele é finalmente introduzido na alta sociedade e se apaixona por Angela Vickers (Elizabeth Taylor), uma rica, bela e sofisticada jovem e é correspondido. Assim, decide se distanciar de Alice, mas a pobre funcionária não aceita esta situação com passividade, principalmente quando descobre que está grávida. Ele se conscientiza que a operária pode frustrar seus planos de ascensão social e assim surge a idéia de matá-la. Ganhou 6 Oscars, nas seguintes categorias: Melhor Diretor (George Stevens), Melhor Fotografia - Preto e Branco, Melhor Figurino - Preto e Branco, Melhor Edição, Melhor Trilha Sonora e Melhor Roteiro. Recebeu ainda três indicações, nas seguintes categorias: Melhor Filme (perdeu injustamente para SINFONIA DE PARIS), Melhor Ator (Montgomery Clift, perdeu para William Holden, também uma injustiça grave) e Melhor Atriz (Shelley Winters). Ganhou o Globo de Ouro de Melhor Filme - Drama.



Esta é a segunda adaptação cinematográfica de “An American Tragedy”, de Theodore Dreiser. Em 1931, Josef Von Sternberg já havia adaptado o romance para a tela. Nessa história de um triângulo amoroso, cujas pontas são George (Montgomery Clift), Alice (Shelley Winters) e Angela (Elizabeth Taylor), temos a chance de flagrar um dos momentos mais memoráveis do cinema americano, com interpretações soberbas do trio central. Não por acaso, era o filme preferido de Charles Chaplin. Foi um daqueles anos em que o Oscar de melhor filme não coincidiu com o de melhor diretor: SINFONIA DE PARIS, de Vincente Minnelli, levou a estatueta máxima; mas foi George Stevens, com UM LUGAR AO SOL, o eleito na categoria de realização. Através da paixão dramática (trágica, como diz o título de Dreiser) do par ElizabethTaylor / Montgomery Clift, Stevens filmava a teia simbólica de uma América interior em que a verdade do amor se confronta com o aparato das aparências sociais e morais.
Genuíno exemplo do mais puro classicismo de Hollywood, UM LUGAR AO SOL rapidamente entrou na galeria dos filmes capazes de refletir as convulsões do imaginário coletivo. A história de um operário com sonhos de ascensão social, que engravida uma colega de trabalho e depois se apaixona por uma jovem rica, que também se apaixona por ele e a antiga namorada ameaça atrapalhar esse romance e por isso ele pensa em assassiná-la, resultou em um filme belíssimo e extraordinário. Temos a oportunidade de ver um Montgomery Clift no seu apogeu. Um dos mais importantes e maiores filmes da história do cinema. Absolutamente importante e extraordinário!!

15º Lugar - A BALADA DO SOLDADO (Ballade o Soldate) Rússia, 1959

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

15º Lugar - A BALADA DO SOLDADO (Ballade o Soldate) Rússia, 1959 – Direção Grigori Chukhrai – elenco: Vladimir Ivashov, Zhanna Prokhorenko, Antonina Maksimova, Nikolai Kryuchkov, Yevgeni Urbansky, Elza Lezhdey, Aleksandr Kuznetsov, Yevgeni Teterin – 89 minutos.

Quando este filme estreou foi um retumbante sucesso mundial, tendo conquistado alguns dos mais importantes prémios nos principais festivais de cinema. O protagonista desta história, Alyosha Skvortsov, é um soldado russo, um dos muitos que lutaram durante a 2ª Guerra Mundial contra o fascismo. Mas Alyosha não é nem um herói de filmes de ação, nem um conquistador. Ele é apenas um rapaz simples, que entra em pânico da primeira vez que avista um tanque inimigo, mas ultrapassa o seu medo e consegue atingi-los. Pelos seus feitos e coragem, Alyosha é recompensado com dois dias de licença para visitar a sua mãe. Durante a viagem, conhece uma série de pessoas diferentes a quem se oferece para ajudar no que for preciso, acabando por conseguir estar com a mãe apenas alguns minutos, o tempo apenas para uma breve troca de palavras e um abraço. E Alyosha volta a partir para a frente de batalha... para não mais regressar.



A BALADA DO SOLDADO - Bastante irônico, humano, e até com senso de humor, foi indicado ao Oscar de Roteiro Original e ganhou o prêmio de Melhor Filme europeu do ano. Ao mesmo tempo que absorve o estilo visual dos antigos mestres do Cinema Soviético, o filme surpreende por sua naturalidade e encanto.



Esse grande filme teve triunfante repercussão internacional, ganhando vários prêmios em festivais como Cannes, San Francisco, Londres e Milão, antes mesmo de receber o prêmio Lenin na Rússia. Para os russos, o filme é considerado um dos melhores e mais respeitáveis sobre a Segunda Guerra Mundial. Quando estreou foi um estrondoso sucesso mundial. Produzido por um país comunista (em pleno governo Kruschev), sem tradição de filmagens e nem quinze anos depois de uma guerra que devastou o país, conta a história do jovem soldado Alyosha (Vladimir Ivashov) durante a invasão nazista ao front soviético, ainda no início dos anos 1940. Celebra a glória da guerra e o sacrifício coletivo em um monumental épico do período pós-guerra. Era tempo de reconhecer os custos individuais, os pequenos atos de bondade, bravura e generosidade do ser humano vivendo em tempos difíceis. Um libelo pacifista que comoveu o mundo!

16º Lugar - MORTE EM VENEZA (Morte a Venezia / Mort a Venise) Itália/França, 1971

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

16º Lugar - MORTE EM VENEZA (Morte a Venezia / Mort a Venise) Itália/França, 1971 – Direção de Luchino Visconti – elenco: Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Björn Andresen, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli, Nora Ricci, Carole André, Leslie Franch – 130 minutos.

É o apogeu de Visconti! Um dos mais belos filmes de todos os tempos! Alguns críticos torceram o nariz para essa obra-prima, criticando aqui e ali, apontando defeitos. É o filme mais sofisticado do diretor. É um primor de realização. Em Veneza, amor e morte se misturam na visão soberba de Luchino Visconti. O compositor alemão Gustav Aschenbach (impressionante caracterização do ator inglês Dirk Bogarde) parece um homem reservado e civilizado aos olhos daqueles que o conhecem. Basta, no entanto, o início de uma paixão secreta, para que comecemos a notar o presságio de sua destruição. Ele parte para Veneza a fim de se recompor de um colapso gerado por seu trabalho estressante. Lá ele conhece um jovem belíssimo chamado Tadzio, que lhe parece estátua grega, de face serena e expressão de suave gravidade. Ele se apaixona perdidamente por Tadzio, mas este amor é impossível, numa época em que predomina a intolerância, o preconceito, a hipocrisia e o desprezo. O ar pesado e céu plúmbeo de Veneza deprimem Aschenbach. E só a visão de Tadzio pode reanimar seu espírito. Fascinado e completamente atraído pela beleza do rapaz, Gustav decide ir embora antes de cometer uma loucura. Porém, sua bagagem é enviada por engano para uma outra cidade italiana. E assim, ele terá que adiar sua partida. Nas ruas da cidade o temor pela cólera asiática gera um êxodo dos que querem se proteger contra a doença. E é nessa Veneza vazia e solitária que Aschenbach sai à procura do jovem Tadzio. Por mais que seu coração murmure, ele não pode confessar à Tadzio a paixão que provocaria um escândalo constrangedor para ambas as partes. Só lhe resta a dor de um amor impossível e o desejo ardente em seu peito. Com cenas belíssimas na romântica cidade italiana, o mestre Luchino Visconti revela toda a sensualidade de Veneza. A fotografia sublime e trama envolvente garantiram à MORTE EM VENEZA o Grande Prêmio no Festival de Cannes, consagrando o ator inglês Dirk Bogarde como um dos maiores nomes da cinematografia mundial. A qualidade desta memorável produção ítalo-francesa é abrilhantada pela interpretação marcante de Silvana Mangano, no papel da mãe de Tadzio, uma atriz de raro talento que mostra toda a sua força expressiva nesta emocionante obra-prima. MORTE EM VENEZA é UM FILME PARA PESSOAS DE EXTREMA SENSIBILIDADE e PARA UM PÚBLICO SELETO E INTELIGENTE. Uma história comovente, com um requinte visual magnífico, cheia de poesia e de extraordinária beleza.



Uma rica evocação impressionante de tempo e lugar. Um sonho cinemático. É o mais belo filme dos últimos cinqüenta anos! A obra-prima da beleza. Um triunfo do cinema. É a história de um homem obcecado pela beleza. O diretor Luchino Visconti (que já nos deu filmes de notável qualidade, como OS DEUSES MALDITOS (1969), VIOLÊNCIA E PAIXÃO (1974), LUDWIG – A PAIXÃO DE UM REI (1972), O LEOPARDO (1963), SENSO (1954), ROCCO E SEUS IRMÃOS (1960), entre outros), transforma o romance clássico de Thomas Mann em uma obra-prima de poder e beleza. Como Aschenbach, Visconti é um artista obcecado: seus filmes são ricos em humor, detalhes de época e emoções ferventes em superfícies plácidas. Ganhou o Prêmio Especial do 25º Aniversário do Festival de Cannes. MORTE EM VENEZA tem uma fabulosa performance do elenco. Além da assustadora interpretação já comentada de Dirk Bogarde, cabe ressaltar a brilhante composição de Silvana Mangano, com sua beleza indescritível, como a mãe de Tadzio, e a inegável atuação de Bjorn Andresen (magnífico como Tadzio). Ainda no elenco Marisa Berenson (como Frau von Aschenbach, belíssima), Mark Burns, Romolo Valli, Nora Ricci, entre outros. O filme é recheado de diálogos inteligentes sobre arte e beleza.



Considerado internacionalmente como a obra-prima da beleza, causou muito frisson na época do seu lançamento. Visconti incluiu uma série de flash-backs, para ilustrar as dúvidas filosóficas de Aschenbach; em um deles, um amigo diz a ele que “a beleza é uma qualidade que pertence naturalmente às coisas belas”. Esses flash-backs são fundamentais para a compreensão dos conflitos internos do Conde Aschenbach, já que o filme tem pouquíssimos diálogos. E foi exatamente essa opção de Visconti que acabou forçando-o a se afastar da sutileza da história original. No livro, tomamos conhecimento dos pensamentos de Aschenbach através do narrador, em terceira pessoa. No filme, no entanto, não há narração – pelo menos não no estilo dos filmes de detetives, em que ouvimos os pensamentos do personagem principal. Tadzio (atuação magnífica de Bjorn Andresen), a paixão platônica do compositor Aschenbach, que no livro está mais contida, aqui ele está mais saliente. Para que possamos entender o tipo de atração que ele exerce sobre o músico, Tadzio passa quase todo o tempo do filme dirigindo-lhe olhares ambíguos, algo entre o convite e o desprezo. Na obra de Thomas Mann, Tadzio pode ser perfeitamente ignorante de sua sexualidade; na de Visconti, ele é quase vulgar, mas num bom sentido. A atuação de Dirk Bogarde como o torturado artista tem momentos antológicos, um deles, quando, renunciando a seu racionalismo, ele pinta o rosto e os cabelos, numa tentativa de parecer mais jovem. MORTE EM VENEZA, com certeza, pode ser considerado um filme sobre o fascínio que a beleza exerce sobre nós. Isso fica muito evidente naquela que é uma das grandes qualidades do filme: a beleza visual. Toda a longa seqüência de abertura, que mostra a chegada do navio em que viaja o Conde Aschenbach, evidencia um cuidado em revelar Veneza em todo o seu esplendor. Vários críticos já afirmaram que a cidade italiana nunca foi tão bem filmada. É bem provável que tenha sido essa a intenção de Visconti: revelar a contradição existente em uma linda cidade que é varrida pelo “sirocco” (o vento que se acreditava que carregasse doenças fatais, ou seja, a beleza pode ser perigosa para quem se deixa enfeitiçar por ela). Essa seria uma preocupação comum a Thomas Mann e a Luchino Visconti. MORTE EM VENEZA, inegavelmente, é um dos pontos altos do cinema europeu e um dos mais belos filmes alternativos de todos os tempos.

17º Lugar - ROMEU E JULIETA (Romeo & Juliet) Itália/Inglaterra, 1968

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

17º Lugar - ROMEU E JULIETA (Romeo & Juliet / Romeo e Giulietta) – Itália/Inglaterra, 1968 – Direção Franco Zeffirelli – elenco: Leonard Whiting, Olivia Hussey, Michael York, John McEnery, Pat Heywood, Milo O’Shea, Bruce Robinson, Natasha Parry, Robert Stephens, Paul Hardwick, Antonio Pierfederici, Esmeralda Ruspoli, Roberto Bisacco, Roy Holder, Keith Skinner, Laurence Olivier (o narrador) – 138 minutos.

Este filme é um primor de beleza, poesia e encantamento. Realizado em 1968, foi um sucesso popular mundial que marcou toda uma geração. Só aqui em São Paulo ficou mais de 10 (dez) meses em cartaz, sendo um dos grandes campeões de bilheterias de sua época. Originalmente foi lançado no auge do movimento "paz e amor", em 11 de agosto de 1969, no extinto Cine Belas Artes. Foi um acontecimento tão grande que mexeu muito com o sentimento das pessoas. Os jovens criaram uma identificação imediata, influenciando na moda e no comportamento. É uma história de amor incomum. Uma história de amor que vence todas as barreiras, todos os ódios. A magnífica linguagem utilizada por William Shakespeare foi transposta ao cinema de forma impecável, com a direção competente do genial Franco Zeffirelli. Esta versão é a mais perfeita já realizada, entre outras qualidades porque apresenta os jovens amantes de Verona na sua concepção maior, como jovens adolescentes, exatamente como a peça teatral shakesperiana descreve. Leonard Whiting, que faz o Romeu, tinha então 17 anos e Olívia Hussey, a Julieta, tinha 15, tornando-se assim um dos pares românticos mais bonitos do cinema. Indiscutivelmente, foram o Romeu e Julieta mais perfeito do cinema. A música tema "A Time for Us", uma balada melancólica e sensível cantada no filme por um jovem músico quando Romeu vê Julieta pela primeira vez, foi um sucesso estrondoso, sendo gravada também em português. É uma canção que toca até mesmo o coração dos menos apaixonados. Outro grande trunfo do filme é o elenco, todos muito bem. Além do par central já citado, há também a grande interpretação de Michael York, que faz Tebaldo, o inimigo número um de Romeu. A cena do duelo entre os dois, em praça pública, é antológica. Cabe lembrar, ainda, John McEnery (excepcional como Mercutio); Pat Heywood (a velha ama); Milo O'Shea (Frei Lourenço); Bruce Robinson (Benvolio, o amigo de Romeu); Natasha Parry (a Sra. Capuletto); Robert Stephens, que faz o Príncipe, faleceu em 1995. E é ele quem encerra o filme com um texto que ficou imortal: “Uma paz lúgubre traz esta alvorada. O sol não mostrará sua face, por causa do duelo. Saiamos daqui para falar mais extensamente sobre estes lamentáveis sucessos. Alguns obterão perdão e outros castigo, pois nunca houve história mais dolorosa do que esta de Julieta e seu Romeu”, sem deixar de citar um dos maiores monstros sagrados dos cinemas inglês e norte-americano, o brilhante Laurence Olivier, que faz o narrador da história. O filme recebeu 4 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Figurino e Melhor Fotografia, ganhando nessas duas últimas categorias. Apesar de receber muitos elogios de vários segmentos das sociedades brasileira e internacional, considerado até como 100% EXCELENTE, sempre têm os críticos de plantão, que chegaram a dizer que o filme "vulgarizava e simplificava a obra poética de Shakespeare". Mas não é verdade, o filme é belo na sua mais completa concepção, evocando com grandeza e sensibilidade estonteante o texto inglês. Indiscutivelmente, é uma das mais extraordinárias histórias de amor, em todos os tempos.



Essa obra-prima vai além das versões de 1936 (de George Cukor), e de 1954 (de Richard Castellani), com um despojamento, uma reinterpretação do que pode ter sido a juventude renascentista na Itália. O filme foi considerado ousado para a época, pois mostra o Romeu levantando da cama nu (de costas), quando ele dorme junto com a sua amada Julieta, após terem sido casados pelo Frei Lourenço, e, após ter sido condenado ao banimento em Mântua. O filme é uma obra alegre e inesquecível, recheada de cenas antológicas. O baile, o colóquio no jardim, o casamento, o sonífero na cripta, o discurso dos equívocos, as mortes, e, nestas cenas, as falas originais. É um poema de juventude, beleza, violência e romantismo. O par central foi eleito o mais bonito do cinema, quando do lançamento do filme. O diretor coloca a família Montecchio mais cultivada, artisticamente, e amante da paz à diferença dos novos-ricos Capuletos, brigões, grosseiros, incultos. Para reproduzir melhor a época, o filme foi rodado em ambientes afinados com a Verona de meio milênio atrás, na Toscana e nos arrabaldes de Roma. A igreja do Padre Lourenço era, na verdade, no filme de Zeffirelli, a igreja de São Pedro, monumento nacional da velha cidade de Toscana, no âmago da região etrusca a noroeste de Roma, cuja construção começou no Século III depois de Cristo e terminou no Século XII. Outros locais em que o filme foi rodado: o Palácio Piccolomini, em Pienza, construído pelo Papa Pio II, de 1459 a 1462, quase intacto exceto por danos superficiais durante a Segunda Guerra Mundial: ali ocorrem os duelos entre os Capuletos e os Montecchios. Também Gubbio, uma das mais bem preservadas cidades italianas, situada na Úmbria, que serviu de palco para o filme. A cena do balcão (ou serenata de Romeu a Julieta) foi tomada em Artena, vilarejo medieval a 60 quilômetros de Nápoles, precisamente no Palácio Borghese, construído pelo Cardeal Scipione Borghese no Século XVI. Mas a praça principal da velha Verona e o salão no qual foi encenado o baile onde Romeu vê Julieta pela primeira vez, bem como a cripta onde o apaixonado se despede da sua amada – tudo foi reconstruído pelo arquiteto e cenógrafo Renzo Mongiardino. O fato é que estes cuidados de produção, e a fotografia despojada, clara, de dias e noites nítidos, conforme a atmosfera exigida pelo roteiro de Zeffirelli e Franco Brusati e operada por Pasquale de Santis, registraram a beleza e o clima da tragédia que a música de Nino Rota sublinhou. Grande produção da Paramount, realista, despojada, marcante e apaixonante! Um filme extraordinário, primoroso, encantador e arrebatador! Com certeza tem que estar na lista dos 100 melhores de todos os tempos!!

18º Lugar - O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN (Brokeback Mountain) EUA, 2005

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

18º Lugar - O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN (Brokeback Mountain) EUA, 2005 – Direção Ang Lee – elenco: Jake Gyllenhaal, Heath Ledger, Michelle Williams, Anne Hathaway, Randy Quaid, Anna Faris, Linda Cardellini, Tom Carey – 134 minutos.

O diretor alinha desejo e natureza com brilhantismo. Um filme sobre caubóis gays tinha tudo para virar filme cult no circuito alternativo, mas se tornou muito mais: o grande drama da década encampado pela Academia de Hollywood com oito indicações ao Oscar. Concorreu nas categorias: Melhor Filme, Melhor Diretor (Ang Lee), Melhor Ator (Heath Ledger), Melhor Ator Coadjuvante (Jake Gyllenhaal), Melhor Atriz Coadjuvante (Michelle Williams), Melhor Trilha Sonora, Melhor Fotografia e Melhor Roteiro Adaptado. Em vez da esperada polêmica em torno de um romance homossexual baseado em um conto publicado na revista "The New Yorker", encontra-se aceitação e elogio unânimes. A resposta do mistério, como quase sempre em cinema, está no tempo construído por seu diretor, o taiwanês Ang Lee, autor de diversos filmes célebres como O TIGRE E O DRAGÃO, HULK e RAZÃO E SENSIBILIDADE. Ele emprega sua sensibilidade oriental para criar uma visão contemplativa da natureza que domina a primeira meia hora do filme, em que os peões Ennis del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhaal) vão trabalhar juntos em um remoto rancho no Wyoming, lugar tomado por um verde exuberante. O ano é 1963. Só quando tem certeza que mergulhou o espectador no ritmo sereno do tempo, do sol e das tempestades, dos cavalos e das ovelhas é que Lee apresenta o desejo sexual de Twist por Del Mar, e o amor que vem da convivência logo em seguida.



Uma coisa é ler em textos de psicologia que o homossexualismo é uma coisa natural. Outra bem diferente (e de muito mais efeito) é marcar esse "natural" no tempo, devolvendo-o ao seu sentido original - parte da natureza. Assim, de maneira quase subterrânea, o cineasta tem ajudado a quebrar preconceitos dos espectadores mais irredutíveis. O diretor já havia feito O BANQUETE DE CASAMENTO (1993), uma sensível comédia sobre um gay que se casa com uma mulher para agradar aos pais. O artifício de associar o movimento dos personagens ao da natureza também é a espinha dorsal de outro grande filme seu, TEMPESTADE DE GELO (1997), em que a borrasca do título vai acompanhando a derrocada moral de duas famílias americanas nos anos da década 1970, na época do escândalo Watergate. A continuação da história só vem confirmar a força da primeira parte. Cada caubói toma seu rumo, se casa, e as restrições sociais pesam cada vez mais na vida dos dois. Os personagens passam do espaço aberto da primeira parte para lugares fechados - casas, escritórios, salas de jantar, trailer - que ficam claustrofóbicos com a impossibilidade do amor. No melhor estilo AS PONTES DE MADISON, O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN prova mais uma vez que o amor mais sublime é sempre o amor impossível. Pelo menos na arte. Um dos mais belos filmes produzidos em 2005!!!



“O Amor é uma força da natureza”, diz o slogan desse que é o melhor filme do ano. Dois jovens. Dois destinos que se cruzam. A montanha Brokeback esconde um segredo, um amor impossível. Do diretor vencedor do Oscar, Ang Lee, surge um filme sobre a intolerância de uma sociedade que não aceita diferenças. A Academia de Hollywood vai pagar por muitos e muitos anos o crime de não ter escolhido O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN como Melhor Filme. Em última instância O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN não é sobre sexo (há muito pouco dele no filme), e sim sobre amor: o amor em que se tropeça, o amor abortado, o amor guardado com tristeza no coração. Ou, como escreve Proulx, "O que Jack lembrava e desejava de uma maneira que não podia evitar nem compreender era o tempo daquele verão distante em Brokeback, quando Ennis chegou por trás dele e o agarrou, num abraço silencioso que satisfez uma fome compartilhada e sem sexo". Um terno momento de alívio da solidão pode iluminar uma vida.
O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN não é exatamente a peça de época que alguns gostariam de imaginar. As portas rangentes do armário da América podem ter-se aberto o suficiente para que exista um circuito de rodeios gays. Mas não vamos nos iludir. Em grandes segmentos da sociedade norte-americana, especialmente nos meios esportivos e militares, essas portas continuam seladas. O assassinato de Matthew Shepard [jovem homossexual assassinado em um crime de ódio, no Estado de Wyoming], afinal, aconteceu no território de Brokeback.

19º Lugar - ERA UMA VEZ... NO OESTE (C'Era Una Volta Il West / Once Upon A Time In West) Itália/EUA, 1968

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

19º Lugar - ERA UMA VEZ... NO OESTE (C’Era Una Volta Il West / Once Upon a Time in The West)) Itália/EUA, 1968 – Direção Sérgio Leone - elenco: Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda, Jason Robards, Gabriele Ferzetti, Frank Wolff, Paolo Stoppa, Jack Elam, Woody Strode, Lionel Stander, Keenan Wynn – 166 minutos.

“O ritmo do filme pretendeu criar a sensação dos últimos suspiros que uma pessoa exala antes de morrer. ERA UMA VEZ... NO OESTE é, do começo ao fim, uma verdadeira valsa da morte. Todos os personagens do filme, exceto Claudia Cardinalle, têm consciência de que não chegarão vivos ao final” (Sérgio Leone)

Logo após finalizar sua Trilogia dos Dólares, formada por POR UM PUNHADO DE DÓLARES (1964), POR UNS DÓLARES A MAIS (1965) e TRÊS HOMENS EM CONFLITO (1966), Sérgio Leone resgatara todo o respeito e a certeza de que os faroestes poderiam ser bons filmes, não apenas entretenimento barato. Agora almejava novos horizontes. Em sua mente já se desenhava um dos maiores clássicos policiais de todos os tempos, mas a Paramount só bancaria seu sonhado ERA UMA VEZ... NA AMÉRICA caso ele fizesse apenas mais um western. Sérgio estava em um beco sem saída, uma vez que, na sua cabeça, já não havia mais histórias nesse gênero para serem contadas. Mas o diretor não se deixou levar pelo olhar ambicioso sobre os lucros que esse novo filme poderia gerar. Se devia ser feito, que fosse algo bom. Leone se juntou então com Sergio Donati, Bernardo Bertolucci e Dario Argento para escrever a história e o roteiro desse seu novo trabalho. Assim nasceu a obra-prima ERA UMA VEZ... NO OESTE.



Jill (Claudia Cardinale) é uma ex-prostituta de New Orleans que largou a vida na cidade grande para casar com Brent McBain (Frank Wolff), um sonhador dono de uma propriedade no meio do nada, viúvo e pai de três lindas crianças. Quando Jill chega à Fazenda “Água Doce”, encontra uma chacina realizada na sua nova família. A única pista de quem pode ter feito tal crueldade está em um pequeno pedaço de pano encontrado no local, que remete à cruel gangue de assassinos de Cheyenne. Como Leone queria algo novo para sua história, uma das soluções encontradas foi elevar a importância de Jill dentro do contexto geral, uma vez que o diretor não havia reservado papéis importantes para mulheres em seus filmes. A partir do momento que ele coloca Jill no centro de tudo o que acontece no filme, dá uma nova direção aos seus trabalhos também. Charles Bronson interpreta o mocinho da história, conhecido como “O Harmônica”, homem não identificado de jeitão calado e muita atitude. Não sabemos sua motivação até o final, mas sente-se um doce gosto de vingança em suas atitudes, principalmente quando seu caminho se cruza com o da nossa protagonista Jill. A escolha inicial de Leone para o papel seria Clint Eastwood, mas isso não aconteceu e foi até bom, porque o jeitão do “Harmônica” não combina com Eastwood. Em Charles Bronson o diretor encontrou a pessoa certa para combinar boa atuação com o perfil que o personagem exigia. Ele não é irônico, canastrão e nem brinca com a cara das pessoas. Ele é apenas um tremendo grosso que impõe a sua força quando necessário, calado e de atitude.



ERA UMA VEZ... NO OESTE é um filme muito mais plástico que os outros do diretor, um drama ambientado no Velho-Oeste, com uma história muito mais profunda, sem humor e com violência menos explícita que em seus outros filmes. Suas cenas de ação, como quando Charles Bronson é salvo no trem de Morton (Gabriele Ferzetti), geram empolgação e remetem ao seu bom e velho western. Outra significativa inclusão no filme é a chegada da prosperidade ao Oeste, representada pela linha do trem, e o crescimento ao Oeste que ela traria. A tecnologia como um novo elemento. A idéia de utilizar Clint Eastwood, Lee van Cleef e Eli Wallach, os três protagonistas de TRÊS HOMENS EM CONFLITO, na introdução do filme chegou a ser cogitada, mas infelizmente teve de ser arquivada devido à indisponibilidade dos atores. Seria algo genial, mágico, pois ninguém imaginaria que esses três atores, tão famosos por seus trabalhos com Leone, morreriam logo nos dez minutos iniciais do filme. Metaforizaria também o corte bruto que Leone queria fazer com seus outros westerns, deixando claro que ERA UMA VEZ... NO OESTE seria algo novo.O duelo final entre “o Harmônica” e Frank é memorável. Uma das grandes cenas do filme. Desde a preparação, com a chegada de Frank e o encarar dos dois, até o mega close nos olhos de Charles Bronson, para representar a entrada na mente dele pelo público, tudo tem seu significado dentro da obra. Outro fator que ajudou este grande clássico a ser uma valsa da morte foi sua trilha musical, algo a que o diretor sempre deu muita atenção em suas obras. Cada personagem possui sua trilha sonora própria, entrando em cena juntamente com o seu possuidor. As músicas sempre tiveram uma importância fundamental nos filmes de Sergio Leone, mas aqui elas ganham o seu patamar máximo. Foram compostas antes mesmo das filmagens começarem, pois o diretor queria que elas ditassem o ritmo que sua história seria contada. Isso ajudou também na preparação dos atores, pois Leone costumava tocar seus temas no set para inspirar os personagens. Uma obra de arte poética e sensível, completa como western, perfeita como um filme. Acabou sendo o primeiro de uma nova trilogia imperdível, seguido por QUANDO EXPLODE A VINGANÇA (1972) e a outra obra-prima ERA UMA VEZ... NA AMÉRICA (1984). ERA UMA VEZ... NO OESTE é um daqueles filmes indispensáveis para quem quer conhecer a boa história do cinema. O MELHOR WESTERN DE TODOS OS TEMPOS!!

20º Lugar - A TRILOGIA DAS CORES (Trois Couleurs: Bleu, Blanc, Rouge) Polônia, França, Suiça, 1993/1994

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

20ª Lugar - TRILOGIA DAS CORES (Trois Couleurs: Bleu, Blanc, Rouge) – França/Polônia/Suiça, 1993/1994 - Direção Krzysztof Kieslowski - “A Trilogia das Cores” nasceu por dois motivos: o bicentenário da Revolução Francesa e o momento político europeu atual - a comemoração da unificação da Europa, a já conhecida União Européia.

A LIBERDADE É AZUL (Trois Couleurs: Bleu) França/Polônia/Suíça, 1993 – Direção de Krzysztof Kieslowski – elenco: Juliette Binoche, Benoít Régent, Floente Pernel, Charlotte Very, Hugues Quester, Philippe Volter, Héléne Vincent, Claude Duneton, Julie Delpy – 97 minutos.

O filme vai fundo em suas idéias, vai aos poucos e com lentidão mostrando um retrato de uma vida comum, alterada por uma tragédia. Um marco importante realizado através de detalhes estéticos é a utilização da música de Zbigniew Preisner, um colaborador constante. Cabe aqui uma informação importante: o marido de Julie era um maestro famoso e compunha uma sinfonia para ser executada na cerimônia de unificação da Europa, trabalho que fica incompleto porque a mulher decide destruir as partituras. Mas o trecho mais emocionante da sinfonia fica gravado na cabeça dela, e é executado todas as vezes em que as memórias da família afloram; nesses momentos, a tela fica negra, como se a personagem sofresse um blackout emocional. Ou talvez Kieslowski quisesse preservar a intimidade de Julie naquele momento de dor suprema. As duas soluções são válidas, e muito bonitas. A LIBERDADE É AZUL é mais triste e doloroso do que outros filmes do cineasta. É verdade que a obra de Kieslowski está impregnada de um sentimento perene de melancolia, mas nesse filme existe dor, e ela é contundente. Outra característica do diretor, contudo, foi inteiramente preservada: é impossível antecipar os rumos da trama. Em sua nova vida, Julie vai ter que reaprender a usar os sentidos, bem como descongelar os sentimentos, mas isso ocorre paulatinamente, e de maneiras completamente inesperadas. Perceba, no entanto, a sutileza e a inteligência de Kieslowski ao mostrar o relacionamento (frio, porém fundamental) entre Julie e a mãe, que está internada em um asilo. A velhinha nem sequer reconhece a filha, mas passa os dias assistindo a vídeos de gente de meia idade praticando esportes radicais, como bungee jumping. A mãe de Julie nem sabe, mas celebra a vida de uma forma que a filha não consegue. É interessante notar, portanto, que embora jamais converse com ela sobre isso – na verdade, não conversa com ninguém sobre assuntos pessoais –, são os poucos momentos com a mãe que insinuam a Julie uma mudança de comportamento. Para os cinéfilos mais apressadinhos, que podem não ver muito sentido na trajetória errática da protagonista, a dica é ter um pouco de paciência e assistir ao filme até os créditos. Somente no final toda a trajetória de Julie vai fazer sentido. Aliás, quando o filme acaba – de uma maneira surpreendente, apenas para confirmar a regra de imprevisibilidade dos filmes do diretor –, dá até para dizer que A LIBERDADE É AZUL é otimista. Dolorosamente otimista. A título de curiosidade: atente para a aparição-relâmpago do casal do filme seguinte da trilogia, A IGUALDADE É BRANCA, em uma rápida cena no tribunal. Sem dúvida alguma o melhor filme da trilogia. Juliette interpreta seu papel com uma intensidade inigualável, trazendo à tela um misto de sentimentos como ódio, descrença e desespero. A fotografia é simplesmente belíssima. A LIBERDADE É AZUL, o belo filme de Kieslowski que abre a famosa “Trilogia das Cores” tem na escolha do tema, uma ousadia quase herética do diretor. Quem mais pensaria em associar um sentimento aparentemente tão positivo e promissor, como a liberdade, a um acontecimento tão doloroso como a morte das duas pessoas que mais se ama? A abordagem do tema é, como quase todo o cinema de Kieslowski, surpreendente e inusitada, mas também intensa, delicada e sobretudo humana, muito humana. A lição que o filme nos dá – e a obra do cineasta polonês está repleta de lições – é simples e até banal, mas certamente verdadeira: o destino pode sortear as pessoas de muitas formas, inclusive com muita dor, e não há o que fazer a não ser viver cada situação que se apresenta com intensidade e honestidade.



A IGUALDADE É BRANCA (Trois Coleurs: Blanc / Trzy Colory: Bialy ) França/Polônia/Suíça, 1994 – Direção de Krzysztof Kieslowski – elenco: Julie Delpy, Zbigniew Zamachowski, Janusz Gajos, Jerzy Stuhr, Aleksander Bardini, Jerzy Trela, Jerzy Nowak, Cezary Harasimowicz, Michel Lisowski, Juliette Binoche – 89 minutos.

É o segundo filme da “Trilogia das Cores” do conceituado diretor polônes Krzysztof Kieslowski que traça um paralelo entre a cor branca da bandeira francesa e um dos ideais da revolução, a igualdade. É o único da trilogia tratado de forma humorística. O polônes Karol recebe uma intimação para comparecer ao Palácio da Justiça de Paris e surpreende-se ao saber que Dominique, sua esposa, quer o divórcio. Sem falar absolutamente uma palavra em francês, ele entra em grandes apuros e depois de muito contratempo, Karol enriquece e trama uma inusitada vingança contra sua ex-mulher, mesmo amando-a loucamente. Dessa vez, o filme apresenta um olhar irônico sobre como o vazio da vida pode ser profundamente afetado pelo amor. O cineasta polonês continua com muita inteligência a saga sobre os ideais da Revolução Francesa, representados através das cores do país. Aqui ele discute a igualdade usando a cor branca. Temos, assim como no primeiro filme da trilogia, uma pequena distribuição de personagens. A trama é 100% voltada ao protagonista e seus atos, passando a acompanhar toda a trajetória feita por ele depois de um fato importante alterado em sua vida. Kieslowski mais uma vez mostra uma capacidade imensa na composição dos argumentos do roteiro e, na direção, sua maneira em perturbar o espectador é exatamente igual à utilizada no filme anterior. É empolgante também ver os rumos que o roteiro leva à vida de Karol, onde sua volta por cima passa a ser também um grande peso em sua consciência. O final da fita é perturbador e merece ser bastante pensado. O humanismo e a sensibilidade marcante de Kieslowski continuam intactos neste filme, que merece ser conferido por suas excelentes idéias e características. O filme ganhou o Urso de Prata de Melhor Diretor, no Festival de Berlim. Um roteiro excelente, mesclado a uma fotografia brilhante – o resultado é uma obra notável!



A FRATERNIDADE É VERMELHA (Trois Couleurs: Rouge) França/Polônia/Suiça, 1994 – Direção de Krzysztof Kieslowski – elenco: Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean-Pierre Lorit, Zbigniew Zamachowski, Teco Celio, Jean Schlegel, Frédérique Feder, Benoít Régent, Marion Stalens, Samuel Le Bihen, Julie Delpy, Juliette Binoche – 99 minutos.

Última parte da monumental "Trilogia das Cores", considerado, como os anteriores, uma grande obra-prima, e tem como tema as cores e os lemas nacionais da França: Liberdade, Igualdade e Fraternidade. Valentine (Irène Jacob, magnífica) é uma jovem modelo que vive em Genebra, atropela um cachorro que tem o endereço do dono na coleira. É dessa forma que ela conhece a pessoa que iria alterar o curso de sua vida: um juiz aposentado que vive espionando as conversas telefônicas de seus vizinhos. Por trás desse comportamento, esconde-se um homem que entra na intimidade das pessoas até saber o desenrolar de seus destinos. Apesar da repulsa que Valentine sente no início pela atitude do juiz, acaba se formando uma amizade. A partir daí os dois começam a se relacionar numa história de redenção, perdão e compaixão, sobre a comunicação entre os homens. Neste último filme da trilogia, personagens dos dois filmes anteriores aparecem rapidamente, tendo suas vidas afetadas pela trama central. Indicado ao Oscar em 1995 para Melhor Diretor, Melhor Roteiro e Melhor Fotografia. Não se pode deixar de citar um mistério no filme. Uma trama paralela apresenta Auguste (Jean-Pierre Lorit), um estudante de Direito que se prepara para fazer um concurso de juiz. Ele está sempre no caminho de Valentine, embora os dois não se conheçam. Mais curioso ainda é que a vida de Auguste parece reviver, ponto a ponto, a história pessoal do juiz. Mas quem é ele? Algum parente? Qual a relação possível entre as duas histórias? A dica, aqui, é ter paciência e esperar o desenrolar do brilhante roteiro (escrito por Kieslowski, em parceria com o velho parceiro Krzysztof Piesiewicz), que as liga de modo alegórico e absolutamente sedutor, deixando a platéia com um sorriso mudo no rosto e sugerindo que a existência (“você só precisa ser”, diz um dos personagens da trilogia) talvez não seja uma experiência tão solitária assim, já que algumas histórias vivem se repetindo. Kieslowski parece dizer que alguma força cósmica conecta as pessoas, e nem sempre o acaso é aleatório. Uma interpretação possível para a inclusão da história de Auguste em A FRATERNIDADE É VERMELHA está associada a um outro personagem misterioso, que aparece nos três filmes da trilogia: a velhinha que tenta colocar uma garrafa vazia em um depósito de lixo (no primeiro filme, ela não consegue e a protagonista não a vê; no segundo, o personagem principal a vê, mas apenas sorri e dá de ombros; neste terceiro, Valentine finalmente a ajuda – e a velhinha consegue cumprir seu objetivo). Em Kieslowski, no entanto, é muito comum que o elemento importante de uma cena esteja inteligentemente escondido atrás de intenções menos nobres. O que chama a atenção na história da velhinha, na verdade, é que nos dois primeiros filmes ela aparece em Paris, enquanto no terceiro está em Genebra. Como? Kieslowski jamais explicou o paradoxo; preferiu deixar a interpretação para cada espectador. Pode-se intuir, portanto, que a presença simultânea da velhinha em duas cidades diferentes signifique que, para o diretor, a barreira do espaço não é importante. Nesse sentido, a semelhança entre as histórias pessoais do juiz e do estudante de Direito talvez signifique que o conceito de tempo também não tem importância em A FRATERNIDADE É VERMELHA. Ao romper as fronteiras de tempo e espaço, Kieslowski opera uma pequena mágica, e agrega à “Trilogia das Cores” um caráter metafísico incontestável. Tudo isso sem apelar para jogos intelectuais, utilizando apenas uma fluidez e uma simplicidade narrativa contagiantes. Não são muitos os diretores capazes disso. É um dos mais belos, calorosos e solidários filmes de todos os tempos!!!!!

21º Lugar - ALÉM DA LINHA VERMELHA (The Thin Red Line) EUA, 1998

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

21º Lugar - ALÉM DA LINHA VERMELHA (The Thin Red Line) EUA, 1998 – Direção Terrence Malick – elenco: (James) Jim Caviezel, Sean Penn, Adrien Brody, Ben Chaplin, George Clooney, John Travolta, John Cusack, Jared Leto, Woody Harrelson, Elias Koteas, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, Thomas Jane, Dash Mihok, Larry Romano, John Savage, Tim Blake Nelson, Kirk Acevedo – 170 minutos.

Em fevereiro de 1999, dois grandes filmes de guerra concorreram ao Oscar na categoria de Melhor Filme. Infelizmente nenhum dos dois foi vitorioso. Absurdamente perderam para SHAKESPEARE APAIXONADO, um filme infinitamente menor e sem qualquer relevância. Tratam-se de O RESGATE DO SOLDADO RYAN (1998), de Steven Spielberg, e ALÉM DA LINHA VERMELHA (1998), de Terrence Mallick. Ambos falam sobre a Segunda Guerra Mundial. A produção de Spielberg mostra a luta contra os alemães na Europa e a de Mallick tem o seu foco na luta dos americanos contra os japoneses no Oceano Pacífico. O filme de Spielberg tem uma abertura de tirar o fôlego. A seqüência do desembarque das tropas aliadas nas praias da Normandia, no famoso Dia D - o maior desembarque da história militar em todos os tempos - é de um realismo e um dinamismo impressionantes. A câmera tremida e inquieta, a barulheira, a crueldade da batalha, a sensação de caos e desespero nos transportam para uma realidade que ignorávamos, visto que os livros de História não conseguem nos dar esta dimensão épica e realista dos fatos. Todos imaginávamos tais fatos, mas vê-los representados daquela forma foi chocante. A produção conduzida por Mallick não tem nenhuma seqüência de batalha que chegue perto da dimensão épica da primeira meia hora do filme dirigido por Spielberg.



Entretanto, o roteiro e direção de ALÉM DA LINHA VERMELHA são impecáveis, muito coerentes, críticos e verdadeiramente pacifistas. No filme de Mallick, os questionamentos, os impasses morais e espirituais dos soldados se sobrepõem às cenas de ação. Todo o tempo os soldados e oficiais de baixa patente estão questionando seus atos e se perguntando sobre o sentido de toda aquela desgraça. Enquanto isso, alguns coronéis e generais manipulam o “moral” das tropas para atingirem os seus objetivos. Mas não há maniqueísmos. Até as razões e angústias dos oficiais “manipuladores” são mostradas. Apesar disso, o filme claramente não os isenta de sua culpa. Em ALÉM DA LINHA VERMELHA, há uma cena simbólica em que um soldado americano vê um soldado japonês morto e com quase todo o corpo enterrado. Apenas o rosto está visível. O americano vê naquele rosto uma humanidade, que não é diferente da sua. Um outro soldado, menos sensível, tortura um prisioneiro japonês, mas, depois, é torturado pelas lembranças de seus atos imorais. Na produção de Mallick a violência aparece em seu caráter bestial, cruel, irracional e imoral. Um elenco de astros incluindo Jim Caviezel, Adrien Brody, George Clooney, Sean Penn, Jared Leto e Woody Harrelson explode em ação nesta assustadora e realista visão do caos moral e militar que se abateu sobre o Oceano Pacífico durante a Segunda Guerra Mundial. ALÉM DA LINHA VERMELHA traz a história de um grupo de fuzileiros do exército numa das mais sangrentas batalha. Foi indicado para sete Oscar, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. É uma obra-prima cinematográfica brilhante e sem paralelo!!



Narrando alguns conflitos militares ocorridos no Pacífico durante a Segunda Grande Guerra, o filme mostra as influências que estes conflitos promoveram na vida dos povos nativos, e o intrincado avanço das tropas aliadas num território composto apenas por ilhas. Contando com um elenco grandioso de atores de primeira linha (já citado acima), belíssimas imagens da paisagem natural contraposta aos horrores da guerra, e um certo ar de transcendentalismo que transpassa o filme em vários momentos, essa obra-prima apresenta uma concepção bastante peculiar sobre a guerra. Valorizando a ótica humana interna, os combatentes são divididos entre os que ainda conservam alguma percepção emotiva da vida, e os que já foram consumidos pela doença da guerra. A convicção de que continuar vivo naquele cenário nada tem a ver com técnica de combate, coragem, ou determinação, mas está relacionado unicamente ao que alguns chamam de sorte, provoca em alguns combatentes a total descrença na vida, um esvaziamento das facetas que nos tornam humanos, e a ascensão de um tipo vazio mórbido guiado e apoiado unicamente nos mandamentos de morte que a realidade impõe como necessários. Diferente do que estamos acostumados a perceber nos filmes cuja temática é a guerra, essa obra não visa retratar heróis de batalha, nem descambar para um ufanismo típico, mas se propõe principalmente a mostrar a guerra sob ótica do espírito dos combatentes, e incitar o espectador a vasculhar dentro de si mesmo pensamentos que possam socorrer-nos diante das visões ou cenas daquele inferno humano. Trata-se de um filme reflexivo, gerador de indagações, que nos leva a uma forma diferente de encarar a realidade dos campos de batalha. Quando o filme acaba somos acometidos por aquela estranha sensação que apenas as grandes obras de arte são capazes de proporcionar. É um filme acima de tudo indagador, repito mas uma vez: reflexivo. O espectador que está apenas a fim de assistir cenas de guerras bem feitas, e bons efeitos especiais, é recomendado pesquisar outros filmes, esta obra pretende muito mais do que isso, e justamente por isso é uma obra-prima. O melhor filme contemporâneo de Guerra!! Belíssimo, devastador e espetacular!!

22º Lugar - LARANJA MECÂNICA (A Clockwork Orange) Inglaterra, 1971

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

22º Lugar - LARANJA MECÂNICA (A Clockwork Orange) – Inglaterra, 1971 – Direção Stanley Kubrick – Elenco: Malcolm McDowell, Patrick MaGee, Michael Bates, Warren Clarke, Adrienne Corri, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, James Marcus, Miriam Karlin, Aubrey Morris – 138 minutos.

Todo elogio que você ouvir a respeito desse clássico é verdadeiro. Foi produzido em 1971, pela Inglaterra, mas até hoje o filme continua poderoso, polêmico, inesquecível e um dos poucos a não gerar imitadores. Apesar de retratar um mundo futurista, ele nunca deixou de ser tão atual e moderno, apresentando uma assustadora coreografia da violência, poucas vezes mostrada no cinema. Possui um notável e cuidadoso trabalho estilístico e desenvolve-se em um clima opressivo, com uma trilha sonora de essencial importância, num esplêndido aproveitamento da música clássica de compositores como Beethoven, Elgar, Purcell e Rossini e os sintetizadores de Walter Carlos. A predominância é Beethoven, com a sua Nona Sinfonia, em arranjos estilizados e ultra modernos, já que a personagem principal – Alex - é um apaixonado pela ultra-violência, estupro e Beethoven. Alex é um jovem desordeiro e irresponsável, um vilão simpático, que extravasa uma violência erótica contra tudo e contra todos, juntamente com sua gang, numa desolada Inglaterra do futuro. Ao nos depararmos com cenas brutais de um cinismo ímpar, somos obrigados a ficar contra ele, e ficamos a favor do Estado. Mas quando ele é preso e submetido à “reeducação” pelo próprio Estado, no famoso tratamento Ludovico, um tratamento de lavagem cerebral que lhe traz repulsa à violência, logo descobrimos a violação dos direitos humanos e a disfarçada atitude do governo em transformar Alex no “bom cidadão”. Nesse contexto da luta do bem e do mal, da culpa e do pecado o filme é satírico e notavelmente criativo.



“A violência do indivíduo é fichinha perto da violência do Estado.” Esta máxima contida no célebre romance de Anthony Burgess, de onde o filme foi inspirado, é uma verdade insofismável nessa sofisticada fábula política de uma sociedade futura e, pior, mais enfatizada na nossa real sociedade. É impossível negar a disfarçada violência do Estado no vertiginoso dia-a-dia dos cidadãos e dos não cidadãos. É complicado entrar nesse mérito, mas Stanley Kubrick (em impecável direção) deixa claro esse pensamento, através de cores, luzes e uma fotografia clean, mostrando que no fundo todos nós somos laranjas mecânicas e somos submetidos a lavagens cerebrais por parte desse Estado que promete “nos proteger”. O filme faz também uma denúncia sobre a violência cometida contra a individualidade, que acontece todos os dias ao nosso redor e não percebemos, ou percebemos, mas por egoísmo ignoramos. Outro ponto positivo a ser comentado é a criação de um dialeto elaborado com palavras de várias origens, falado pelas gangs, intitulado de gíria “nadsat”. É uma estranha mistura de idioma cigano-russo com inglês “cooke”.



O filme é extremamente irônico, recheado de humor negro, possui cenas incrivelmente fotografadas por Kubrick e o elenco impecavelmente dirigido. Malcolm McDowell está brilhante como Alex, e foi dele a idéia de cantar o tema de CANTANDO NA CHUVA, uma das cenas antológicas do filme. Patrick Magee, Adrienne Corri, James Marcus, Miriam Karlin, Aubrey Morris, Michael Bates, entre outros, completam a atuação. Infelizmente por causa da mentalidade retrógrada dos nossos governantes dos anos 1970, o filme ficou retido anos pela censura brasileira. Só foi liberado em 1978, com uma cópia feita para o Japão e com umas horrorosas bolinhas pretas para cobrir o sexo das personagens. Hoje, temos a oportunidade de apreciar esta obra-prima em versão integral, sem cortes e sem a mutilação que era praxe dos pseudo-moralistas que imperavam no passado. Gênio absoluto, Stanley Kubrick, alia um profundo senso estético com uma análise rigorosa do ser humano. LARANJA MECÂNICA é um soco no estômago ao tratar da perversão humana em sua forma mais pura. Mesmo no terreno arriscado da ultra-violência, Kubrick cria um filme impiedoso e ao mesmo tempo sublime e hipnótico. Quem não viu, veja; quem já viu, reveja. Sem dúvida alguma, está na lista dos 100 melhores filmes de todos os tempos, e, é um grito de alerta contra a violência tanto estatal quanto individual. OBRIGATÓRIO e EXTRAORDINÁRIO!!

23º Lugar - A MALVADA (All About Eve) EUA, 1950

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

23º Lugar - A MALVADA (All About Eve) EUA, 1950 – Direção Joseph L. Mankiewicz – Elenco: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill, Hugh Marlowe, Marilyn Monroe, Thelma Ritter, Gregory Ratoff, Barbara Bates – 138 minutos.

Pouco antes do encerramento da sua participação em DEPOIS DA TORMENTA (1949), Bette Davis disse sim a Darryl F. Zanuck quando este lhe ofereceu o papel de uma atriz de teatro já na meia idade que vê seus anos de estrelato cada vez mais distantes. O nome do personagem: Margo Channing. O filme: A MALVADA, que dispensa qualquer comentário. É um dos maiores filmes da história do cinema! Bette Davis sabia que não fora a primeira opção do chefão da Fox. Acima dela, estava o nome de Claudette Colbert. No entanto, um sério acidente nas costas a impedia de aceitar a proposta. Bette leu o roteiro, e concluiu que era o melhor que já lera na vida e, sem pensar duas vezes, aceitou. Ao longo da produção, Bette Davis desenvolveu uma profunda amizade com sua parceira de tela, Anne Baxter, além de um romance com Garry Merrill, um dos astros do filme. Eles se casariam pouco tempo depois. Por mais rico que fosse o personagem de Margo Channing (e era), a verdadeira protagonista da história era Eve, interpretada por Anne Baxter. O filme é todo contado a partir de um longo flash-back, em que o passado da personagem é revelado pelos depoimentos de pessoas com quem ela se envolveu. Apesar disso, era a imagem de Margo Channing que o público levava consigo após as sessões. Não porque Anne Baxter estivesse mal. Pelo contrário. É que Bette Davis agarrara o papel como se fosse o último de sua vida (e, de certa forma, era mesmo). E quando Bette entrava em campo com esse espírito, não tinha pra ninguém.



Visto hoje, sessenta e um anos depois, não seria exagero dizer que sua interpretação está entre as melhores do cinema norte-americano do século XX. Irônica, emotiva, cética, manhosa e tudo o mais que se pode imaginar. Quem vê A MALVADA, nunca mais esquece de Bette Davis, já querendo briga, dizendo a célebre frase: “Apertem seus cintos, esta será uma noite turbulenta”. Bette Davis ganhou o prêmio de melhor atriz no Festival de Cannes (feito que poucos se lembram) e foi indicada pela oitava vez ao Oscar. A grande curiosidade do filme é que Bette Davis não era a malvada, mas sim a mocinha. A grande malvada fica por conta de Anne Baxter, também num desempenho notável. A MALVADA é um filme altamente metalinguístico, uma obra do cinema sobre o próprio mundo do espetáculo. Propondo um olhar sarcástico sobre o que compõe a mítica da sétima arte e a aura das estrelas, a ironia já está presente no primeiro plano da projeção: um enquadramento fechado, contendo a imagem de um troféu de premiação somente. Entra narração em off, com o personagem que é crítico de teatro, contando para nós, espectadores, quem é quem entre os figurões do showbizz, enquanto a câmera passeia livremente pelo salão da premiação. Uma fina ironia, de muita audácia e perspicácia, que percorre o filme do início ao fim, e que faz de A MALVADA um memorável clássico do cinema e um dos maiores e melhores filmes de todos os tempos.



Escrito e dirigido por Joseph Mankiewicz, A MALVADA é um deleite tanto como cinema, mas também por sua grande teatralidade. Simplesmente todos os diálogos são pérolas, impagáveis, de tão bem construídos e bem articulados. O roteiro é engenhoso, começa no final da trama, e por meio de um flashback, proporciona uma dinâmica a saga de Eve que jamais se obteria com uma narrativa linear. O cinema de Mankiewicz é muito marcado pela teatralidade, sempre escalando grandes atores, em filmes ambientados predominantemente em ambientes internos (cenários de estúdio) e com o conflito todo baseado no diálogo. Tal como seu irmão Herman Mankiewicz ao elaborar o roteiro de CIDADãO KANE (1941), Joseph trabalha aqui com a pluralidade de visões com que uma história pode ser contada – temos aqui a mesma trama sendo narrada pelos olhos de Addison DeWitt (George Sanders), o crítico de teatro, assim como por Karen Richards (Celeste Holm), a esposa do roteirista. E também por optar pela não-linearidade dos fatos para apresentar uma narrativa. Desde o momento em que vislumbra seu ídolo pela porta do teatro, Eve Harrington (Anne Baxter numa interpretação extraordinária) dirige-se impiedosamente rumo a seu objetivo: arrebatar as rédeas do poder da grande atriz Margo Channing (Bette Davis, deslumbrante e poderosa). A astuta Eve faz suas tramóias para conseguir o papel de Margo na Broadway, torna-se um sucesso e tumultua as vidas do namorado de Margo (Gary Merrill), do escritor de suas peças (Hugh Marlowe) e de sua esposa (Celeste Holm). Apenas o cínico crítico de teatro (George Sanders, vencedor do Oscar) consegue perceber as intenções de Eve, admirando sua audácia e o padrão perfeito de dissimulação. Thelma Ritter e Marilyn Monroe coestrelam este celebrado clássico, que ganhou Oscar, incluindo Melhor Filme do Ano (merecidamente) e recebeu o maior número de indicações ao Oscar 1951 da história do cinema: 14 indicações, feito só comparável anos depois com TITANIC (1997). A MALVADA é um dos maiores filmes da história do cinema! Um dos mais inteligentes de todos os tempos! Um triunfo!!!!

24º Lugar - CREPÚSCULO DOS DEUSES (Sunset Boulevard) EUA, 1950

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

24º Lugar - CREPÚSCULO DOS DEUSES (Sunset Boulevard) EUA, 1950 – Direção Billy Wilder – elenco: Gloria Swanson, William Holden, Erich von Stroheim, Franklyn Farnum, Jack Webb, Nancy Olson, Fred Clark, Lloyd Gough, Larry J. Blake, Charles Dayton, Cecil B. DeMille, Buster Keaton, H. b. Warner, Ray Evans – 110 minutos.

Clássico absoluto da cinematografia mundial! Recebeu onze indicações ao Oscar, inclusive Melhor Filme do Ano. Ganhou três: melhor roteiro, melhor trilha sonora e melhor direção de arte. É uma das mais notáveis obras-primas de toda a história do cinema! Tão poderoso e importante, que foi incluído numa lista de 25 filmes considerados “patrimônio da humanidade” pelo Congresso norte-americano. Ficou famoso por várias razões, entre elas, trouxe de volta ao estrelato a grande diva do cinema mudo: Gloria Swanson. É o melhor filme já feito sobre Hollywood. Uma tragédia gótica com toques de humor negro e ironia cáustica, é um réquiem à época de ouro de Hollywood. O roteiro é um dos mais brilhantes e inteligentes em todos os tempos. Uma consagração definitiva, o filme é todo narrado em flashbacks pelo roteirista morto. Narra a história de um jovem roteirista Joe Gillis (memorável atuação de William Holden), desempregado e endividado, que esconde-se de credores na garagem de uma mansão que lhe parece abandonada, no Sunset Boulevard, em Hollywood. Mas a casa é habitada por Norma Desmond - magnífica performance de Gloria Swanson, aclamada como uma das mais soberbas interpretações de toda a história da cinematografia mundial. Norma Desmond é uma antiga estrela do cinema mudo, que vive de recordações, vive com o mordomo Max (Erich von Stroheim), seu ex-marido. A pretexto de contratar Gillis para aperfeiçoar um roteiro seu, com o qual pretende fazer uma volta triunfal às telas, Norma praticamente aprisiona o jovem em sua casa-museu, fazendo dele seu amante. Pressionado, Gillis deixa-se comprar pela estrela, pela qual sente uma crescente repulsa. Quando decide abandoná-la, o desfecho é trágico.



A cena inicial na piscina com uma tomada do fundo da piscina é interessante, porque não foi filmada no fundo da piscina, mas de cima com um espelho embaixo (dentro da piscina). A abertura do filme é clássica, o suficiente para se tornar um dos melhores filmes de todos os tempos. O filme é recheado de cenas clássicas: quando William Holden vai à festa usando casaco de alpaca é simplesmente antológica. Outra cena famosa é quando Norma Desmond atravessa o portão da Paramount e é tratada como a pessoa importante que ela acredita ser. Os funcionários a tratam bem, mas o mundo a esqueceu. A figura sinistra de Max von Mayerling, o mordomo. A seqüência em que parodia Charles Chaplin, que foi seu amigo, e num jogo de cartas reencontra velhos amigos de seu tempo de estrelato é um primor. Nessa seqüência há grandes personalidades do cinema mudo, como o comediante Buster Keaton, a atriz Anna Q. Nilsson, o ex-galã H. B. Warner. Eles eram chamados de “bonecos de cera” por Joe Gillis, porque também estavam ultrapassados. O diretor Cecil B. DeMille aparece na seqüência memorável, em que ele recebe Norma Desmond nos estúdios autênticos da Paramount, onde estava rodando o clássico SANSÃO E DALILA (1949). A cena final é uma das mais famosas. A descida das escadarias, dirigida pelo antigo marido, diretor e, agora, mordomo, é das mais belas da história do cinema – ela caminhando para a lente até sair de foco. É uma alegoria para toda a história de uma estrela consumida pelo próprio mito do cinema. É um momento estupendo da sétima arte. Há uma frase clássica, quando Gillis afirma para ela: “Norma Desmond! Você era uma grande atriz do cinema mudo”. Ela não gostou de ouvir isso e retrucou: “Eu sou grande, os filmes é que ficaram pequenos!” CREPÚSCULO DOS DEUSES é um filme cruel, mágico, poético, muito abrangente e universal. É sobre o oportunismo e suas conseqüências. É uma das mais extraordinárias críticas à indústria cinematográfica e Norma Desmond permanecerá para sempre como uma grande atriz, com sua imponência e sua eterna capacidade de manter a pose. O filme funciona como um cartão de visitas perfeito para o cinema americano clássico, porque tem aquela carpintaria irretocável de roteiro, direção e interpretação, mas também porque traz uma visão crítica de Hollywood (pelos olhos irônicos do austríaco Billy Wilder) e toques geniais de modernidade (como a idéia do narrador morto). Foi o filme que me explicou por que a fábrica de sonhos americana é tão grandiosa e ilusória.

25º Lugar - GRITOS E SUSSURROS (Viskningar Och Rop) Suécia, 1972

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

25º Lugar - GRITOS E SUSSURROS (Viskningar Och Rop) – Suécia, 1972 – Direção Ingmar Bergman – elenco: Liv Ullmann, Ingrid Thulin, Harriet Andersson, Kari Sylwan, Erland Josephson, Anders EK, Inga Gill, Henning Moritzen, Georg Arlin – 90 minutos.

Um filme de Bergman não cabe num registro rápido e momentâneo. Exige, no mínimo, um ensaio. Afinal, não é por nada que o cineasta sueco é estudado e discutido por psiquiatras e psicólogos - tanto ou mais do que por críticos de cinema. No máximo, uma informação pode auxiliar ao espectador menos entrosado no labiríntico universo bergmaniano a encontrar caminhos que esclareçam, ou ajudem a esclarecer, as suas proposições. É um filme hermético, e, por isso mesmo desafia o espectador que gosta de temas difíceis tratados com inteligência na tela. GRITOS E SUSSURROS concorreu ao Oscar, em cinco categorias (Melhor filme, Melhor Direção, Melhor Roteiro e Melhor Figurino; recebendo apenas um: o de Melhor Fotografia, pelo trabalho perfeito de Sve Nykvist). Como em todos os filmes de Bergman, há uma linha muito própria de visão do subconsciente dos angustiados personagens - querendo libertar-se de um mundo fechado na memória/cérebro de cada um. Lembrando ainda o lúcido comentário de um crítico: "Nesse filme estão todas as grandes linhas de pensamento e da arte bergmaniana: as influências de gênios escandinavos, de Strindgerg a Dreyer; os reflexos da formação cristã (definitivamente encerrada com a trilogia em torno do Silêncio de Deus); o existencialismo, especialmente pela vertente de Kirkegaard (já que a essência do melhor do cineasta é cultivar com paixão religiosa a dúvida de toda certeza)".



Foi o próprio Ingmar Bergman quem definiu GRITOS E SUSSURROS como um filme que se aproxima mais de um estado de alma do que propriamente de uma história a ser narrada dentro dos princípios básicos do cinema. Deixar transparecer o que se oculta sobre as formalidades das relações humanas é o objetivo dessa obra reveladora. Não que a trama envolvendo a agonia de uma mulher em estado terminal e de suas duas irmãs seja irrelevante. Muito pelo contrário. É no limiar da vida que Bergman percebe o momento das grandes revelações, aquelas abafadas pela moral, pelos costumes e pela religião. Obra de um autor maduro, o roteiro se apropria do universo das peças de Tchecov, em especial “Tio Vânia”, destrinchando o complexo universo das relações humanas, principalmente aquelas sustentadas por frágeis laços familiares. O olhar desafiador é herança não apenas de Tchekov, mas também de Ibsen, autor favorito e referência em todos os roteiros bergmanianos. Realizado em 1972, GRITOS E SUSSURROS talvez seja o filme que melhor sintetiza as preocupações estéticas e temáticas do diretor de MORANGOS SILVESTRES (1958). Foi dito talvez porque uma década mais tarde, Bergman se superaria com FANNY & ALEXANDER (1983), que além da densidade dramática é uma espécie de retrato da infância do autor. Ambos os filmes são geniais, completos e extraordinários. Em GRITOS E SUSSURROS, a agonia da personagem Ágnes (Harriet Andersson), que perpassa todo o filme, permite ao cineasta traçar um painel da impotência humana diante da morte, mesmo dilema presente em filmes como O SÉTIMO SELO (1956) e OS COMUNGANTES (LUZ DE INVERNO). O destino inexorável lança os personagens à própria sorte, ou melhor, à falta de sentido de suas vidas tacanhas, enquadradas na rigidez das normas sociais de um mundo dominado pelos machos, símbolos moral protestante, que reprime a inventividade e o desejo.



Ingmar Bergman confia às suas personagens femininas, que vivem uma espécie de exílio familiar, o caminho da salvação. A morte de Ágnes, ainda que por alguns instantes, liberta o amor contido de suas duas irmãs, a travada Karin (Ingrid Thulin) e a frígida Maria (Liv Ullmann). Já para Anna (Kari Sylwan), a criada, a morte de Ágnes representa a oportunidade de mostrar o humanismo e a compaixão intoleráveis no ambiente repressivo abordado pelo filme. Mas GRITOS E SUSSURROS é sobretudo um filme que se utiliza do requinte estético para expressar sentimentos. A fotografia do gênio Sven Nykvist em vermelho profundo, além de criar uma atmosfera onírica quase atemporal, ilumina instantes inesquecíveis de amor, ódio e ternura. Nykvist, fotógrafo de grande parte dos filmes de Bergman, reforça a idéia de clausura física e existencial, oferecendo um belíssimo contraponto na sequência final, quando irmãs e criada correm pela grama, num momento de paz, feminilidade e conforto, em que cessam os gritos e sussurros. Mas seria este um filme incompleto sem a interpretação formidável das três atrizes principais, cujas máscaras procuram justamente traduzir o indizível da alma humana. São elas, por sinal, a matéria-prima do cinema bergmaniano. GRITOS E SUSSURROS pode ser visto ainda como uma reverência àqueles que são, na verdade, a alma do seu cinema - os atores, cujas imagens na tela ratificam a utopia cinematográfica do triunfo da vida sobre a morte. Belo, inesquecível, difícil, inquietante e extraordinário, obra-prima de riqueza infinita, é um dos filmes mais perturbadores do mestre Ingmar Bergman!! É um dos mais belos filmes do cinema! Um verdadeiro estudo da angústia feminina em vermelho profundo! É uma daquelas raras experiências que o espectador carrega por toda a sua existência!! Perfeito e obrigatório!!

26º Lugar - 2001: UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO (2001: A Space Odyssey) Inglaterra, 1968

OS 100 MELHORES FILMES DE TODOS OS TEMPOS!!

26º Lugar - 2001: UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO (2001: A Space Odyssey) Inglaterra, 1968 – Direção de Stanley Kubrick – elenco: Keir Dullea, Douglas Rain (Hal 9000 – voz), Gary Lockwood, Sean Sullivan, Robert Beatty, Margaret Tyzack, Leonard Rossiter, Daniel Richter, William Sylvester, Frank Miller – 139 minutos.

Dois astronautas estão a caminho de Júpiter, a bordo de uma espaçonave controlada por HAL 9000, o computador de inteligência artificial mais avançado já desenvolvido. Sua missão: desconhecida até chegarem a seu destino. Somente HAL 9000 conhece o real propósito dessa viagem... e fará de tudo para que os objetivos não sejam atingidos, em uma verdadeira batalha entre o homem e a máquina. Prepare-se para acompanhar uma aventura rumo ao desconhecido que começou há 4 milhões de anos atrás. Um mistério tão antigo quanto a existência humana. 2001 - UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO é um marco na história dos filmes de ficção-científica. Grande clássico da história do cinema, que é também a obra-prima do diretor Stanley Kubrick (o mesmo de filmes soberbos como LARANJA MECÂNICA, DR. FANTÁSTICO, SPARTACUS, NASCIDO PARA MATAR etc) e um dos melhores filmes de todos os tempos. Visualmente brilhante e tecnicamente perfeito, o filme chegou a ser profético ao mostrar, antes do homem chegar à Lua, que a Terra é azul e que no espaço não existe tempo. O filme, como pretendeu Kubrick, é realmente uma experiência visual, plasticamente inesquecível. Foi premiado apenas com um Oscar (Melhores Efeitos Visuais, dirigidos pelo próprio Kubrick com supervisão de, entre outros, Douglas Trumbull). A Academia de Hollywood cometeu uma das maiores injustiças da história em não indicá-lo a Melhor Filme do Ano. Uma injustiça tão grave que até hoje não houve perdão.



O filme começa com a Aurora do Homem (os primeiros 15 minutos) e depois passa para o homem já conquistando o espaço (uma mudança magnífica, sintetizada num único corte), durante a primeira viagem tripulada a Júpiter. É quando o supercomputador HAL 9000 enlouquece e tenta matar toda a tripulação. Mas o herói (Keir Dullea, em brilhante interpretação) muda de dimensão e chega até o mistério do monolito negro (que seria o símbolo de uma inteligência maior, possivelmente Deus), até renascer como um Novo Homem. Não é a toa que a trilha musical é “Assim Falou Zaratrusta” de Richars Strauss (uma música que fala de um novo homem). No Brasil - 2001, UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO foi lançado em abril de 1968, quase simultaneamente com os Estados Unidos. Chegou aqui em São Paulo e também no Rio de Janeiro antes das críticas estrangeiras. Por isso, a impressão do filme foi de total espanto. Dizia-se que os críticos ficaram frustrados por não ver nenhum marciano. O fato é que foi preciso algum tempo para se recomporem e descobrirem que 2001 - UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO é uma verdadeira obra-prima. É um espetáculo absolutamente deslumbrante e sempre obrigatório. Quem ainda não viu veja, porque nunca mais vai esquecê-lo.



Depois de descoberto, “2001” passou a ser louvado, escolhido como melhor filme do ano pelos críticos em São Paulo e Rio de Janeiro, onde organizaram um Simpósio de Ficção-Científica só para entregar o Monolito de Ouro ao autor Arthur C. Clarke. O diretor Stanley Kubrick, falando de seu filme, disse uma grande verdade: “2001 é tão perfeito tecnicamente que o próximo filme sobre viagens espaciais se quiser ser melhor terá de ser filmado nos próprios locais”. O extraordinário no filme foi sua importância profética. Foi realizado antes do homem chegar à Lua. A belíssima valsa Danúbio Azul foi redescoberta e se tornou desde então a música oficial dos lançamentos da Nasa. 2001 - UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO custou 12 milhões de dólares e foi rodado na Inglaterra a partir do primeiro script de Kubrick e Arthur C. Clarke. O ponto de partida do filme foi o conto “The Sentinel”, de Clarke, que passou a ocupar apenas trecho da história (a viagem a Júpiter e o combate de HAL com os astronautas). O autor baseia todos seus escritos em três axiomas: 1) Quando algum cientista anuncia que alguma coisa é possível, ele provavelmente está certo. Quando anuncia que alguma coisa é impossível , provavelmente está errado. 2) A única maneira de definir os limites do possível é ir além deles, o caminho do impossível. 3) Qualquer tecnologia extraordinariamente avançada é indistinguível da magia. Ao assistirmos a esta obra-prima temos razão suficiente para colocá-la como um dos maiores clássicos do cinema do Século XX. Extraordinário e imperdível!!