COMO EU ERA ANTES DE VOCÊ (Me Before You) Inglaterra / EUA, 2016 – Direção Thea Sharrock – elenco: Sam Claflin, Emilia Clarke, Vanessa Kirby, Eileen Dunwoodie, Jenna Coleman, Matthew Lewis, Muzz Khan – 106 minutos

          UMA BELÍSSIMA HISTÓRIA SOBRE AMOR... APRENDIZADO E PERDA

COMO EU ERA ANTES DE VOCÊ é um dos filmes mais românticos do ano. As dificuldades enfrentadas por um tetraplégico têm sido abordadas no cinema há tempos, do excelente (e citado pelo filme) “Meu Pé Esquerdo” (1989) ao recente “A Teoria de Tudo” (2014), assim como o relacionamento amoroso entre uma cuidadora e seu paciente tem no tristíssimo “Tudo Por Amor” (1991) seu exemplo maior. Mesmo o interesse de Will em transformar a jovem Louisa Clark bebe da fonte de “Pigmaleão”, cuja origem vem da mitologia grega. Em meio a tantas referências, a história se sustenta muito graças à humanidade vinda de sua principal personagem feminina. 

O roteiro do filme foi muito bem adaptado a partir da história do livro, que não deixou nenhuma parte importante de fora e constuiu uma narrativa com atos bem definidos que não perdem o ritmo. A atuação da dupla principal é impressionante, mostrando muita sintonia entre os atores. Sam Claflin surpreende em seu papel de tetraplégico, fica a certeza que ele se dedicou muito para isso. O espectador consegue entender por meio de suas expressões e falas que ele era um homem que tinha tudo, e de repente precisa que outra pessoa faça para ele até as coisas mais básicas. 

Um filme que se mostra digno, acima da média no trato dos incontornáveis apelo sentimental e lição moral não é sempre que se vê. Emilia ajuda nessa boa impressão compondo uma personagem, ao fim das contas, carismática, adorável até, em sua jornada de heroína fabular. "Como Eu Era Antes de Você" é sim uma excelente opção para o tipo de público que costuma chorar com filmes de amor, mas sem deixar de lado uma boa dose de humor. Definitivamente o filme funciona como romance e se colocarmos numa cesta todos os dramas românticos, esse se destacaria por ser capaz de levar o público às lágrimas em vários momentos, sem melodramas desnecessários.

MEU MALVADO FAVORITO 3 (Despicable Me 3) EUA, 2017 – Direção Kyle Balda, Pierre Coffin e Eric Guillon – Animação – com as vozes de Steve Carell, Kristen Wiig, Trey Parker, Miranda Cosgrove, Dana Gaier, Nev Scharrel, Pierre Coffin, Steve Coogan, Julie Andrews, Jenny Slate, Adrian Ciskato, Cory Walls – 90 min

     O MAIOR INIMIGO DE GRU VEM DO PASSADO E ELE PRECISA ENCARÁ-LO

O antagonista da vez é Balthazar ‘Evil’ Bratt, uma explosão alucinada e hilária, na forma de festa dos anos 1980. É ver para crer. Os baixinhos por outro lado, não pegarão as inúmeras referências direcionadas para os papais e os que já passaram dos trinta. “Meu Malvado Favorito 3” é um filme que agradará as crianças em cheio pelo seu característico e frequente – nos dias de hoje – ritmo frenético.

O humor de "Meu Malvado Favorito 3" não é tão inteligente e nem tudo presente no filme é necessário. Contudo, algumas evoluções na história são sólidas, muitos personagens têm carisma e o entretenimento, especialmente o musical, é satisfatório.A abertura do desenho animado, ao som de Bad, de Michael Jackson, tem bossa, humor e ironia. O resto da história traz sequências igualmente hilariantes,

Esta animação não destoa muito da excelência residida nos outros 2 filmes: tem pontos altos, que em breve serão expostos; e pontos baixos, estes que se aproximam daqueles do segundo acrescidos de alguns detalhes no roteiro que em breve serão expostos também. Focando, por agora, nos pontos positivos, é fato que esta franquia tem personagens bem carismático por seus tons caricaturescos. Dru como caricatura de um personagem da literatura de terror gótico; as garotas retomando caricaturas e estereótipos bem fortes da infância e da pré-adolescência – mas, é fato, no primeiro filme estes “estereótipos” acabavam por reproduzir um ideal de menina “bela e recatada” extremamente antiquado que, embora tenha sido reduzido do primeiro ao terceiro filme, ainda deixa traços no roteiro; e agora temos Dru, o irmão gêmeo de Gru, que é uma caricatura do playboy milionário e musculoso; além de Balthazar Bratt, que é uma homenagem à cultura pop dos anos 80 – e logo foi bem sacada a escolha de Evandro Mesquita, vocalista da BLITZ, para dublá-lo. Mas, obviamente, o carisma se centra na comicidade e fofura comercialmente delineados presentes em todos eles Este terceiro filme está muito bem realizado em termos de qualidade. Mas tem energia suficiente e lampejos de inspiração para indicar que esta é uma franquia que ainda tem muito futuro” 

O SOM DO CORAÇÃO (August Rush) EUA, 2007 – Direção Kirsten Sheridan – elenco: Freddie Highmore, Keri Russell, Jonathan Rhys Meyers, Terrence Howard, Robin Williams, William Sadler, Marian Seldes, Aaron Staton, Alex O’Loughlin, Jamia Simone Nash, Mykelti Williamson, Leon Thomas III – 114 minutos

                            A MAGIA DA MÚSICA E O PODER DO AMOR 

A história fala de Evan (o expressivo Freddie Highmore, da nova versão de “A Fantástica Fábrica de Chocolate”), um garoto órfão que irrita seus colegas de orfanato com seu alto astral e otimismo. Fascinado por todo e qualquer tipo de som e música, ele acredita piamente que seus pais ainda voltarão para buscá-lo, ainda que não exista nenhum motivo concreto para tanta fé. O roteiro deixa de lado qualquer resquício de realidade e costura da forma mais previsível possível a vida de Rush, levando-o até mesmo à Jilliard, a mais conceituada escola de música dos Estados Unidos, onde é tratado como um pequeno gênio. Um jovem Beethoven ou Bach, que consegue reger os sons do mundo e transformá-los em música.

As tomadas musicais presentes no filme, a maioria contando com a presença do personagem Evan Taylor, sustentam-se principalmente em razão da carismática e sentimental atuação de Freddie Highmore, em mais um papel magnético. A trilha sonora de Mark Mancina sublinha de maneira convincente os principais momentos do filme, ressaltando ainda mais a figura de Highmore em cena - seja esta séria ou descontraída. “O Som do Coração” foi indicado ao Oscar de Melhor Canção Original com “Raise It Up”, e não é só a música que chama atenção no filme, mas toda a emoção que o envolve. Com um ótimo roteiro, o filme consegue mostrar todo o entorno do personagem principal e ainda adiciona um elemento fortíssimo na conclusão, ligando todos os personagens de uma forma muito sincera e tranquila.

“O Som do Coração” é leve e bonito, que quando acaba o espectador sente falta de um final mais intenso e emocionante, assim, como foi o longa inteiro, mas não decepciona, e vale a pena chegar até o final, assistir a cada cena que nos levou ao último minuto. Pois apesar de muito simples, é encantador, envolve o público facilmente na história desse jovem talento, August Rush, belíssimamente interpretado por Freddie Highmore, que parece sentir cada palavra que fala, um dos melhores atores de sua idade e perfeito para o papel. O filme é belo, simples, delicado, sutil, mas tem sua eficiência. Existem pensamentos bem intencionados nele, é um filme inocente que não faz mal a ninguém, muito pelo contrário, só traz sentimentos bons e positivos.Vale a pena acompanhar essa trajetória, ninguém vai passar a ver o mundo de maneira diferente, nem vai mudar a opinião de ninguém sobre qualquer coisa, prenda-se ao filme, e sentirá apenas coisas boas, aliás um pouco de amor, esperança e música não faz mal a ninguém. 

ERA O HOTEL CAMBRIDGE – Brasil / França / Espanha, 2016 – Direção Eliane Caffé – elenco: Suely Franco, José Dumont, Paulo Américo, Isam Ahmad Issa, Juliane Arguello, Thais Carvalho, Mariana Raposo, Guylain Muskendi Lobobo, Lucia Pulido, Carmen Silva, Ibtessam Umran, Gabriel Tonin – 99 minutos

A QUESTÃO DOS REFUGIADOS ESTÁ EM DISCUSSÃO EM TODO O MUNDO E O CINEMA SÓ AJUDA A LEVANTAR ESSE DEBATE

A cineasta Eliane Caffé registra o dia a dia dos moradores do Hotel Cambridge, tradicional hotel de São Paulo fechado e abandonado em 2011. Um ano depois, foi ocupado por moradores sem-teto, em sua maioria refugiados. A diretora dá uma atenção muito especial justamente a esses refugiados, que vêm ao país sem dinheiro, família ou mesmo conhecimento da língua, em busca de um futuro melhor. Ela passou cerca de dois anos no antigo Hotel Cambridge, para produzir a história, que mescla as vidas reais desse grupo de sem-teto, reencenadas por eles mesmos e um reduzido grupo de atores, como José Dumont e Suely Franco. Desse modo, sobressaem as figuras de Apolo (José Dumont), mas também da atriz Suely Franco, com sua personagem um tanto delirante, egressa de um circo. Também se destaca Carmem Silva, a líder da ocupação, com sua presença forte, dura, às vezes conciliadora, mas que acusa um momento de cansaço que a humaniza profundamente. Toda luta comporta esse instante de desânimo, que deve ser vencido para que tudo prossiga e Carmem vive esse momento de maneira dramática, pungente, e solitária – como convém a uma líder. É uma grande personagem. Um imigrante dá um toque romântico ao se apaixonar pela cinegrafista. E o exilado palestino, o poeta Isam (Isam Ahamad Issa) rouba as cenas de que participa. É ator nato, envolvente, carismático. Seu personagem é cheio da sabedoria universal de quem passou pela guerra e reencontrou-se na solidariedade. O filme é muito atual e importante. A questão dos refugiados está em discussão em todo mundo e o cinema só ajuda a levantar este debate ao oferecer uma visão singela dessas pessoas, que geralmente sofreram muito para chegar até aqui e que muitas vezes são tratadas com desprezo e preconceito, ao invés de acolhimento.

As premiações na Mostra de São Paulo, no Festival do Rio, nos festivais de San Sebastián e de Rotterdam, já atestam a qualidade inquestionável de “Era o Hotel Cambridge”. O quarto longa-metragem da talentosa diretora e roteirista Eliane Caffé (Narradores de Javé), apresentado por ela como uma produção coletiva entre o MSTC (Movimento Sem Teto do Centro), o GRIST (Grupo Refugiados e Imigrantes Sem Teto) e a Faculdade de Arquitetura da Escola da Cidade, é uma autêntica obra de arte cinematográfica, coletiva, social, contundente e comovente. O filme mergulha na intimidade dos diversos personagens que ali vivem, humanizando a imagem de pessoas que são retratadas muitas vezes pela mídia como invasores, vagabundos e aproveitadores. O que vemos são famílias que lutam para se manter, refugiados que tentam se adaptar a distância da terra natal e imigrantes que muitas vezes foram responsáveis pela construção daquela propriedade e mesmo assim estão sem um lar. O mais interessante que mesmo se tratando de uma invasão, a organização de andamento do local é impressionante. A comandante Carmen com punhos fortes rege todos como uma grande mãe que acolhe seus filhos debaixo da asa e os trata com carinho e também com autoridade para que nada saia do controle. 

“Era o Hotel Cambridge” não é um filme antenado apenas por falar conscientemente de um tema do presente, mas por conseguir abordar isso de uma forma extremamente contemporânea. O longa se utiliza de um dos mais potentes artifícios do cinema atual: os limites entre o documentário e a ficção, um achatamento total das dimensões ficcionais e do pretenso registro do real. Assim, gira em torno do filme uma sensação de auto-encenação, como se o filme fabulasse em torno dos acontecimentos que vive. O que se vê na tela não é a tentativa de dramatização dos conflitos vividos naquela ocupação, mas sim uma maneira de representação de si mesmo, como se esse fato ajudasse a compreender o que ocorre no mundo real. Eliane Caffé adota a ação política e física como foco, justamente o outro lado da moeda. Em um, tratamos do “lado de dentro”. Em outro, “do lado de fora”. O mesmo problema sob olhares diferentes

A JOVEM RAINHA (The Girl King) Finlândia / Suécia / Alemanha / Canadá /França, 2015 – Direção Mika Kaurismäki – elenco: Malin Buska, Sarah Gadon, Michael Nyqvist, François Arnaud, Patrick Bauchau, Martina Gedeck, Jannis Niewöhner, Lucas Bryant, Laura Birn, Hippolyte Girardot, Peter Lohmeyer, Ville Virtanen – 106 minutos

  SUA CORAGEM TROUXE PAZ À EUROPA, SUAS IDEIAS MUDARAM O MUNDO 

Contando a história real da determinada e polêmica Rainha da Suécia, no Século XVII, Cristina I, o diretor finlandês Mika Kaurismäki traz para as telas do cinema mundial uma recriação desse impactante momento da história universal focando não só na personalidade extremamente forte da protagonista mas também dando boa ênfase a direcionamentos religiosos que contornaram vários reinos nos séculos passados e sua curiosa amizade com pensadores da época como René Descartes. Protagonizado pela ótima atriz sueca Malin Buska e com os ótimos coadjuvantes Sarah Gadon e Michael Nyqvist, o filme se caracteriza também por ser uma boa aula de história vista no cinema, mesmo sendo apenas um recorte de um tempo cheio de conflitos de pensamentos.

Personalidade histórica tão controversa quanto fascinante, a Rainha Cristina da Suécia já foi retratada nas telas em diversas oportunidades, entre elas por Liv Ullmann em “A ABDICAÇÃO DE UMA RAINHA” (1974) e, na mais notória de suas encarnações, por Greta Garbo em “RAINHA CRISTINA” (1933). As razões do interesse pela personagem são facilmente compreensíveis, pois em seu curto reinado – que oficialmente durou apenas uma década – a chamada “Menina Rei” se notabilizou por desafiar os preceitos religiosos luteranos vigentes em seu país ao se aproximar do Cristianismo, buscando a paz entre cristãos e protestantes – em meio aos conflitos da Guerra dos Trinta Anos que levaram à morte de seu pai, o Rei Gustavo II – bem como por seu apreço pelo pensamento de filósofos como René Descartes, instigando o desejo de transformar a Suécia no centro cultural e intelectual da Europa no século XVII.

Essa história real do século 17 é mais que atual na abordagem do empoderamento feminino e da homossexualidade. O diretor finlandês Mika Kaurismäki narra a trajetória da Rainha Cristina da Suécia, que foi criada como príncipe e, quando assumiu o trono, se portava como tal – das roupas masculinas à orientação sexual. Cristina, que cresceu sob rígida educação luterana, era inteligente e tinha sede de cultura. Queria transformar Estocolmo em uma Atenas do Norte. Seus esforços pela paz e o fim da Guerra dos Trinta Anos é notável. O filme tem um grande valor histórico, mais até do que cinematográfico, e é um excelente entretenimento.

Uma das figuras mais influentes na política europeia do século XVII, feminista que estava adiante de seu tempo e procurou viver como pensava, Cristina I, tinha suas próprias linhas no ato de pensar. O filme foca nisso principalmente e no conflitante interesse por uma de suas damas de companhia, a Condessa Ebba Sparre (Sarah Gadon), que domina boa parte da trama, sendo intercalada a uma série de intrigas palacianas, como os planos do Chanceler Axel Oxenstierna (Michael Nyqvist) para que a Rainha se case com seu filho, Johan (Lucas Bryant), além das investidas de outros pretendentes, como seu primo Carlos Gustavo (François Arnaud). Talvez a mais polêmica de suas atitudes, sendo filha de um protestante ferrenho, causou um escândalo na comunidade sueca quando abdicou de seu trono convertendo-se ao Catolicismo em meados de 1600, e sua derradeira declaração de liberdade, o filme em seu terço final se desenrola para mostrar esse ato que ficou marcado na história europeia. Uma personagem interessantíssima, sobre a qual pairam algumas lendas. Um filme notavelmente realizado e belo!! Merece ser conferido!! 

EL ALAMEIN – A LINHA DE FOGO (El Alamein – La Linea Del Fuoco) Itália, 2002 – Direção Enzo Monteleone – elenco: Paolo Briguglia, Pierfrancesco Favino, Luciano Scarpa, Emilio Solfrizzi, Thomas Trabacchi, Sergio Albelli, Piero Maggiò, Antonio Petrocelli, Giuseppe Cederna, Roberto Citran, Silvio Orlando, Matteo Albano, Lorenzo Balducci – 117 minutos

O FILME É UM BOM COMEÇO PARA SE TENTAR MUDAR UMA INJUSTIÇA HISTÓRICA DE GRANDE MAGNITUDE

Este belo filme foi lançado no aniversário de 60 anos da batalha, e foi realizado com pequeno orçamento e recursos governamentais. A produção é um excelente exemplo de que se pode fazer muito com pouco. A Batalha de El Alamein, no deserto africano, teve participação primordial dos italianos, bem mais numerosos que seus aliados alemães. E o desfecho dessa batalha só não foi mais desastroso por causa da feroz resistência italiana. Infelizmente, pela propaganda de interesses escusos e o desprezo dos nazistas, essa verdade ficou escondida dos livros de história e das telas de cinema por seis décadas. Agora essa produção é o primeiro filme italiano a mostrar seus soldados como realmente eram como viam e lutaram naquele horrível cenário.

O filme é visto pela perspectiva do Soldado Serra (Paolo Briguglia), um voluntário universitário de Palermo, que se alista para a África e é designado para a 17ª Divisão de Infantaria “Pavia”, parte do X Corpo d’Armata (Corpo de Exército), que estava posicionado no extremo sul da linha de frente, próximo à depressão de El-Qattara. Serra chega e se apresenta ao oficial em comando, o Tenente Fiore (Emilio Solfrizzi), que o envia para o pelotão do Sargento Rizzo (Pierfrancesco Favino). A chegada de Serra é um retrato das péssimas condições de logística e suprimento do Exército Italiano na frente: Fiore pede por dez novos recrutas, mas somente um é enviado. 

O filme apresenta um eficiente uso de efeitos visuais, tanto nas cenas de batalha quanto na retratação da imensa coluna de soldados retirada. A computação gráfica é sutil, e essa qualidade gratifica o espectador com um ambiente agradável e crível. Mesmo com o baixo orçamento, os combates se saem bem em tela. A barragem de artilharia inglesa antes do avanço dos tanques confere com a realidade histórica. Mesmo os veículos blindados nada aparentam de falsos, como no caso dos velhos filmes com “Shermans alemães”. Aliás, o realismo do equipamento usado em cena é um dos pontos altos de EL ALAMEIN. Os uniformes têm as patentes e camuflagens corretas, e as armas, caminhões, carros também estão muito bem caracterizados. Destaques para a Moto Guzzi usada pelos Bersaglieri e o carro de comando Fiat 508C, belíssimo. A conclusão do filme é bastante tocante e sensível, mas sem apelar para o sensacionalismo barato. Não há nada forçado para levar o espectador a se identificar com a dor dos personagens, o sentimento simplesmente surge ao decorrer da narrativa. EL ALAMEIN é um bom começo para tentar-se mudar uma injustiça histórica de grande magnitude. O filme foi muito bem recebido pela crítica e nas bilheterias na Itália, e ganhou três prêmios David di Donatello, considerado o “Oscar italiano”.

O PASSAGEIRO DA CHUVA (Le Passager de La Pluie) França, 1970 – Direção René Clèment – elenco: Charles Bronson, Marlène Jobert, Jill Ireland, Gabriele Tinti, Corinne Marchand, Jean Gaven, Jean Piat, Marc Mazza, Yves Massard – 120 min

                 UMA MULHER VIOLENTADA FUGINDO DA VERDADE...

                 UM HOMEM MISTERIOSO À PROCURA DELA 

Um dos maiores sucessos de Charles Bronson na sua fase francesa de cinema. Foi o filme que alavancou a sua carreira internacional. Brutalmente implicada num assassinato sem qualquer relação com seu cotidiano, uma jovem mulher é perseguida por um americano misterioso, ao mesmo tempo temível e fascinante, que a atormenta para confessar o crime do qual ela não é inteiramente responsável. Nessa luta à procura da verdade todas as armas são permitidas aos dois adversários que se envolvem numa atmosfera de suspense minuciosamente elaborada. Além de Charles Bronson, outro grande destaque é a atriz Marlene Jobert, que dá um show de performance. 

Na época do lançamento do filme (1971), Charles Bronson era conhecido como “o homem do sorriso de gato”. A direção de Renè Clement é impecável. Clement é famoso por dirigir filmes notáveis como O SOL POR TESTEMUNHA (1960), BRINQUEDO PROIBIDO (1952), entre outros. Até hoje existe uma unanimidade em se afirmar que a melhor coisa que aconteceu na temporada de 1969/1970 foi a parceria entre o diretor Renè Clèment, o compositor Francis Lai (autor da belíssima trilha sonora de LOVE STORY em 1970), o escritor Sebastien Japrisot e as estrelas Charles Bronson e Marlene Jobert. Entre tantas qualidades, o filme tem ainda uma trilha sonora inspiradíssima do celebrado Francis Lai. Um filme obrigatório e uma das obras-primas essenciais do cinema.